Pierre Langlais est passionné de séries de longue date. Ce n’est pas pour rien que son compte Twitter s’appelle @MrSeries. Il en parlait dans des revues spécialisées (Générique(s)), sur des radios jeunes (Le Mouv’) bien avant que la presse traditionnelle prenne enfin le sujet au sérieux et que Télérama lui fasse une (belle) place dans ses colonnes. Pas étonnant, donc, qu’il ait compris quelque chose d’essentiel : il n’existe pas de série sans auteur ! C’est pour rendre enfin leur place à ces créateurs dont les noms restent inconnus du grand public français qu’il a écrit ce livre. Ouvrage destiné aux fans de séries mais aussi et surtout à ceux qui veulent en écrire comme le souligne la belle dédicace du début : « à celles et ceux qui aiment raconter des histoires. »

Un panel très complet

Pierre Langlais consacre son ouvrage à treize séries et à leurs créateurs. D’Engrenages à Skins en passant par Borgen, le spectre est volontairement large. On est ainsi bien heureux de découvrir, au milieu de très grandes séries américaines (Oz, The Shield, Treme), des réussites hexagonales, peut-être moins riches en termes d’audiences mais aussi plus proches de nos réalités d’auteurs. Ainsi, on y lit les confidences de Fanny Herrero, qui a piloté Dix Pour Cent sur trois saisons pour France 2, comme celles de Frédéric Rosset qui a pu donner vie à Irresponsable, son projet de fin d’études à la Fémis Séries, sur OCS. Sans compter l’expérience commune de Vincent Poymiro, David Elkaïm, Rodolphe Tissot et Bruno Nahont, scénaristes et producteurs, qui ont créé ensemble Ainsi Soient-ils sur Arte. On saura aussi gré à Pierre Langlais d’avoir pris dans ce panel quatre autrices dans un univers où les femmes sont encore sous-représentées. Parmi elles, la show-runneuse d’Engrenages (Canal+) Anne Landois, ou encore la géniale et polyvalente Michaela Coel, créatrice, réalisatrice et actrice de I May Destroy You, série HBO inspirée de sa propre histoire.

Une boîte à outils pour scénaristes

Fruit de rencontres et d’entretiens personnels que Pierre Langlais a eus avec chacun de ces auteurs, le livre est découpé en vingt-six chapitres, chacun représentant une étape de la création, depuis la première idée jusqu’à la diffusion et la rencontre avec le public, en passant par la création des personnages, les routines d’écriture ou encore le casting. Leurs expériences sont très différentes mais ont en commun le processus de création, celui qui nous force à allier l’élan d’inspiration à la technique d’écriture. Ce livre n’est pas un ouvrage de dramaturgie. Et pourtant, certains chapitres sont riches d’enseignements.
Le chapitre 5 évoque par exemple la création des personnages. À l’origine de toute bonne série, il y a des personnages solides et bien construits. Anne Landois (Engrenages) avoue l’avoir découvert en cours de travail :

« Au départ, on écrivait les épisodes un par un, d’abord côté intrigue policière puis on les adaptait aux trajectoires des personnages. C’était une erreur. Il faut faire l’inverse. Tout ce qui compte, au début, ce sont les personnages et leurs décisions. L’histoire, on s’en fout. »

Anne Landois

Comme Tom Fontana dans Oz, Fanny Herrero crée pour Dix Pour Cent un personnage auquel on peut s’identifier et avec qui on rentre dans l’univers de la série, Camille. En cours d’écriture, la jeune femme change de profil. Elle n’est plus l’héritière du défunt Samuel Kerr, mais la fille de Matthias de Barneville, « un père bien vivant pour qu’en naissent une relation complexe, des choses fortes, des émotions. » (Fanny Herrero revient sur la création des personnages dans le podcast consacré au livre.)
Autant de retours d’expériences qui pourraient nous éviter certaines erreurs.

À cet égard, le chapitre consacré à la page blanche est lui aussi une mine d’exemples à suivre… ou pas ! Que vous soyez adepte de l’écriture, de la rature, de la réécriture comme Fabrice Gobert (Les Revenants) ou plutôt de la douche ou de la longue sieste comme Anne Landois, vous y trouverez forcément un motif de motivation ou de réconfort !

Références : Créer une série, Pierre Langlais publié chez Armand Colin (22€) 

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Le 20 février dernier, Séquences7 recevait des consultants en scénario, en partenariat avec les lecteurs anonymes. Ce qu’ils apportent au scénario, à l’auteur… On vous dit tout. 

Pour cette masterclass, nous recevions sur la scène de l’auditorium du Café des auteurs (SACD) cinq consultants. Co-présidente des lecteurs anonymes, scénariste, réalisatrice, lectrice, mais également psychanalyste, Sophie Muller en est naturellement venue à être consultante.  Nolwenn Lemesle est scénariste et réalisatrice, mais aussi consultante notamment au groupe ouest. Yacine Badday est scénariste, réalisateur et consultant, également au groupe ouest. Yasmine Louati a été lectrice pendant des années pour plusieurs grands groupes avant de passer de l’autre côté du stylo et de devenir consultante.  Enfin, Alain Layrac a eu une longue carrière de scénariste et de consultant.

Ils ont bien voulu nous faire partager leur expérience au service du scénario.  

Consultant, Script Doctor ou co-auteur… Une philosophie derrière la terminologie. 

Au premier abord, les termes de Consultant et de Script Doctor semblent désigner la même chose. Mais comme le fait remarquer Yasmine Louati : “Script Doctor est un terme américain et en France c’est un peu un gros mot.” On préfère donc parler de Consultant, d’autant que le terme américain semble renvoyer à une philosophie du métier différente. Aux États-Unis, le Script Doctor est forcément lui-même scénariste et il participe à la réécriture, il reprend souvent le scénario une fois terminé dans un délais de travail court pour des raisons qui concerne purement la production, comme des questions de budget ou de casting, sans nécessairement impliquer les auteurs originaux. 

Pour sa part, le Consultant peut intervenir sur un point précis de dramaturgie, comme l’explique Alain Layrac : “Moi ce qui m’intéresse c’est les sentiments. On m’appelle principalement pour ramener de l’émotion dans un film.” Mais, sauf exception, il ne réécrit pas lui-même. Un travail qui nécessite donc une certaine distance et des interventions sur des périodes courtes. C’est que le consultant doit poser des limites claires avec l’auteur autant qu’avec le producteur, explique Nolwenn Lemesle, “je donne trois séances de trois ou quatre heures, mais j’accepte que l’auteur m’appelle entre les séances, sinon c’est trop frustrant pour lui.” Cela, d’une part, pour préserver la vision de l’auteur, mais surtout car son rôle est d’apporter une expertise ponctuelle et non de devenir co-auteur. Un co-auteur doit s’impliquer sur un projet totalement, pour plusieurs années. “J’ai compris qu’au-delà du fait d’écrire ou pas, la différence c’est surtout que lorsque je suis co-auteur, le film ne me quitte jamais”, confesse Yacine Badday. 

Le consultant tient du psychanalyste.

Si le consultant n’est pas là pour ré-écrire le film, il est plutôt là pour poser un diagnostic et aider les auteurs à trouver leurs propres solutions. “Un auteur, il faut l’aider à accoucher, avoir la révélation qui le fait avancer, plutôt que de lui donner la solution”, précise Sophie Muller qui est également psychanalyste. Alain Layrac, à qui l’on fait parfois appel en tant que Script Doctor pour ré-écrire lui même des scénarios en urgence, compare avec le travail de consultant et conclut : “C’est davantage un travail de psy, je trouve.” Chacun des intervenants a insisté sur l’importance de l’écoute et de la bienveillance. “Il n’y a pas d’ascendant, insiste Yacine Badday, je sais que je pourrais être de l’autre côté, je suis aussi un auteur à qui on refuse des projets.” Ce que confirme Nolwenn Lemesle lorsqu’elle aborde sa méthode de travail : “On discute beaucoup. Ça permet de faire venir à la conscience des choses que l’auteur sait, qui le guident.” 

Car le risque est qu’en prenant trop les rênes, l’auteur se crispe et voit le consultant comme une menace pour sa vision du projet ou qu’il occasionne une démission. Il faut éviter “que l’auteur décide de le laisser faire comme un gourou” et donc il ne faut pas “prétendre amener des solutions toutes faites”, met en garde Yacine Badday. Un constat que nuance Yasmine Louati : “Au tout début, je mettais un point d’honneur à tourner autour du pot. Mais j’hésite moins car toutes les solutions que j’ai proposées, les auteurs en général ne les prennent pas, mais ça les aide à trouver leur propre solution.” C’est donc un équilibre à trouver, qui implique d’apprendre à connaître l’auteur et de comprendre ses besoins avant toute chose. 

On fait souvent appel à un consultant… trop tard.

Naturellement, faire appel à un consultant représente un coût et il arrive donc que des producteurs repoussent ce recours au consultant jusqu’à l’étape du dialogué. Alors que le consultant permet justement de régler les problèmes en amont. “Le problème ne vient jamais des dialogues, il vient des personnages” prévient Alain Layrac qui a souvent été confronté à ce cas : “Le producteur n’a pas l’idée de faire appel à un consultant, il attend d’avoir le scénario et appelle si ça ne va pas.” Un problème qui concerne souvent les productions les plus fragiles, qui sautent les étapes faute d’argent. “Il faut éduquer dessus. Sensibiliser à l’étape du développement” conclut Sophie Muller. Faute de moyens, certains films d’auteurs doivent parfois même passer du synopsis directement aux dialogues, brûlant des étapes précieuses. Ce qui n’est pas sans conséquences. “On récupère des textes incohérents”, met en garde Yasmine Louati. “On décide souvent pour des questions d’économies de laisser l’auteur faire seul, même s’il a besoin d’un co-scénariste” renchérit Nolwenn Lemesle. “On préfère souvent payer un consultant, puis finalement on est obligé d’en payer trois”, tant les problèmes se sont accumulés.

Tout cela vient souvent d’un trop plein d’investissement des producteurs dans un savoir scénaristique qu’il n’ont pas forcément acquis. “Il faut apprendre à lire un scénario”. Pour Nolwenn Lemesle “quand ils font part de leur retour en terme d’intention et impression, c’est toujours intéressant mais quand ils donnent des prescriptions… ça ne va pas.” Alors quand faut-il faire appel à une aide extérieure pour ne pas rater cette étape cruciale du développement ? Concernant les lecteurs, “on ne les demande pas sur des synopsis mais toujours sur du dialogué et c’est dommage” regrette Alain Layrac. Si l’auteur ne s’en sort pas, il faut faire intervenir un co-auteur le plus tôt possible. Puis vient ensuite un consultant. Pour Alain Layrac, le moment idéal pour faire appel à un consultant, serait “au moment où on a une structure, traitement ou séquencier, mais pas encore de dialogué.” Un travail d’écriture plus collective est donc souhaitable pour le bien du scénario. Une mentalité qui s’est peu à peu imposée dans la série TV, mais qui peine à s’étendre au cinéma, notamment d’auteur. “Les auteurs-réalisateurs sont très seuls” constate Nolwenn Lemesle et certains ont peur d’être dépossédés de leur oeuvre, d’où l’importance du lien humain dans le choix du consultant.

T.C.

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En ce frais samedi du mois de janvier 2020, Séquences7 a proposé son très prisé atelier « lecteurs ». En partenariat avec nos amis des Lecteurs Anonymes et l’association Prix de court (partenaire du Festival du Cinéma Européen de Lille), ce fut une journée studieuse où les discussions et les échanges s’émaillaient de franches rigolades.

Après une brève présentation des participants, nous sommes rentrés rapidement dans le vif du sujet.

Joëlle Autret, qui anime cet atelier,  est revenue sur les bases de la lecture de scénario. Cibler le destinataire de cette lecture (sociétés de production, institutions, festivals ou même cercle proche tel que des amis …) et adapter sa réponse en fonction : s’il s’agit d’écrémer lors d’une présélection d’un festival, de cibler les failles pour une éventuelle production ou d’apporter une éventuelle solution s’il s’agit d’un proche.

Nous avons ensuite abordé un aspect méconnu :  la lecture de scénario est aussi un travail, ce qui est souvent oublié, et comme tout travail il mérite un salaire (avec des productions ou institutions… (N’allez pas faire raquer vos potes si vous voulez les garder !). Joëlle nous a donc éclairés sur les tarifs pratiqués usuellement, rarement homogènes si ce n’est sur leur aspect dérisoire. Et pour avoir une grille tarifaire, on ne peut que vous conseiller de vous référer à celle des Lecteurs Anonymes. Sachant que les tarifs varient selon les formats à lire mais aussi selon le mode de rémunération (facture ou salaire).

Avant la pause tant attendue et le Bo Bùn  bien mérité, les genres cinématographiques ont été rappelés remettant en avant des codes utiles à une grille de lecture.

C’est bien repus et avec une énergie renouvelée que nous avons repris le fil de cet atelier passionnant. Nous avons passé l’après-midi à discuter et échanger autour des scénarios qu’il nous avait été demandé de lire en amont de l’atelier. Cette discussion autour d’un socle commun a pu faire apparaître certaines disparités entre les différents lecteurs même si dans les grandes lignes nous nous retrouvions sur les fondements même d’analyse du scénario. C’est à travers ces légers écarts et cette subjectivité normale que nous avons pu ajuster les critères qui permettront à nos lecteurs de lire et d’évaluer les futurs scénarios avec des bases communes.

Cet atelier a permis aux nouveaux lecteurs comme aux anciens d’étudier en profondeur les différents niveaux de lecture d’un scénario (présentation, style, orthographe…personnages, dialogues, dramaturgie…) et d’établir des critères d’évaluation communs. Sollicités pour différents appels à projets et autres festivals, ils pourront s’appuyer sur ces bases pour apprécier les scénarios et  renseigner les fiches de lecture.

Un grand merci à Joëlle Autret qui a dirigé cet atelier et répondu à toutes nos interrogations.

Crédit Photo : Anthony Mialet

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Construire un récit, d’Yves Lavandier

C’est notre champion toutes catégories. Ce titre, réédité en septembre dernier et très enrichi depuis la précédente édition, aborde la pratique de l’écriture scénaristique, de la structure narrative (pour la théorie, on replonge dans l’autre incontournable, également signé Lavandier : « La dramaturgie »). Protagoniste, objectif, obstacles… Il est toujours bon de se replonger dans les bases. Car si on trouve une infinité de personnages, d’arènes, d’incidents déclencheurs… En revanche, « on ne peut pas dire qu’il y ait une infinité de motivations et d’objectifs, rappelle Yves Lavandier, ce sont toujours les mêmes forces qui meuvent les organismes vivants ». Dans cet ouvrage, l’auteur rappelle que tout début de film revient d’abord à en trouver le sens. Et en même temps, il explique comment éviter le didactisme une fois qu’on a trouvé ce sens. « Construire un récit », est à la fois une base pour apprendre, mais aussi un compagnon d’écriture qui permet d’analyser son travail, d’en évaluer les manques et d’apprécier ses forces. Nous le recommandons chaudement !

Construire un récit, Yves Lavandier, 384p, 24 €, Ed. Les impressions Nouvelles.

Une vie de scénariste, d’Alain Layrac

Une autobiographie où l’humour et la sincérité donnent le La. Alain Layrac est scénariste depuis plus de 25 ans, il a écrit pour la télé et le cinéma, il est également consultant et enseignant. Il cultive en lui un goût infini pour les personnages qui se trouvent au cœur des histoires. Avec « Une vie de scénariste », il se livre et raconte son parcours. Il revient sur son envie d’écrire des histoires depuis le plus jeune âge, sur sa formation avec un enseignant tyrannique (à l’université où était proposée à l’époque  la seule formation au scénario), sa rencontre déterminante avec Danielle Thompson puis tant d’autres dont Romain Compingt avec qui l’écriture se fait à 4 mains…   Mais au fil de ces 11 chapitres de vie, Alain Layrac ne dresse pas qu’un portrait rose bonbon de son métier. Il évoque aussi les sales coups (sans amertume), et les désillusions. Et toujours avec une authenticité qui nous touche.

Une vie de scénariste, Hémisphères éditions, collection Ciné-Cinéma, dirigée par Frédéric Sojcher. 253p, 15 €.

Tu ne tueras point ton héros trop tôt, d’Alissa Wenz et Patrick Bourgault.

Un livre pour garder les pieds sur terre ! Ainsi les auteurs nous préviennent-ils : « Le scénario est voué à la disparition : ne le négligez pas, mais ne le sacralisez pas non plus. Il est destiné à devenir autre chose que ce qu’il est. La série Mission impossible nous a prévenus : « Ce message s’autodétruira dans cinq secondes. » S’ensuivent ainsi des « lois », des « commandements », qui sont en réalité des partages d’expériences, les auteurs citent les cinéastes et leur travail sur plusieurs points, des conseils (qui peuvent paraître évidents mais ne le sont pas toujours comme lire des scénarios, aller au cinéma, regarder la télé, et analyser ce qui est vu). L’approche est ludique et concrète.

Tu ne tueras point ton héros trop tôt (les 365 lois incontournables du scénariste), d’Alissa Wenz et Patrick Bourgault, 256p, 23,90 €, ed. Armand Colin

Films à lire, Des scénarios et des livres, sous la direction de Mireille Brangé et Jean-Louis Jeannelle

Cet essai est un ouvrage de réflexion sur le scénario. Ses auteurs (des chercheurs, des cinéastes, des scénaristes…) s’interrogent sur le texte préalable au film. Que devient-il ? Il est parfois publié, mais sous quelle version ? Celle du tournage ?  Cet objet éphémère, transitoire, qu’est le scénario, voué à la disparition (voir chronique ci-dessus), existe pourtant bel et bien, tout comme les pièces de théâtre qui au départ n’ont pas vocation à être lues mais jouées. Cet ouvrage pose donc la question : le scénario est-il un genre littéraire, dans la mesure où il véhicule déjà les émotions du récit ? D’ailleurs, la scénariste Cécile Vargaftig explique dans ces pages qu’il faut parfois, dans l’écriture, savoir donner des détails (qui ne seront pas nécessairement tournés) pour convoquer des images chez le lecteur de scénario. Le débat est donc ouvert. Il est pointu et passionnant.

Films à lire, Des scénarios et des livres, sous la direction de Mireille Brangé et Jean-Louis Jeannelle, 354p, 25 €.

A.L.

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Ils étaient quatre sur scène. Les 4 fantastiques ? Presque ! En tout cas, il leur en faut des super pouvoirs pour étirer les heures consacrées à la lecture des scénarios, (dé)geler les projets, rendre visibles ou invisibles les forces et faiblesses de ces même projets…. Des pouvoirs pourtant tout relatifs à écouter les quatre intervenants de cette masterclass consacrée à la lecture de scénario, tous issus de Lecteurs Anonymes. Tous rodés à l’examen de scénarios dans les commissions de lecture d’attribution d’aides ou de subventions, mais aussi auprès des producteurs et des chaînes de télévision.

Afin d’échanger autour de ce sujet riche et passionnant, nous avons donc eu le plaisir et l’honneur de recevoir quatre membres des Lecteurs Anonymes :

– Olivier Ciechelski : lecteur pour pour Canal + et pour des sociétés de production.
– Lætitia Kugler : lectrice pour la région Île-de-France et Bourgogne Franche-Comté qui a également lu pour Gaumont, la contribution financière au court métrage du CNC, Arte courts-métrages, France 2 fiction TV, les régions Lorraine et Aquitaine.
– Ludivine Saes : lectrice pour le FAIA (CNC) et Arte Fiction, ainsi que pour l’aide à l’écriture de la région Grand Est.
– Anna Marmiesse : lectrice pour l’Avance sur recettes du CNC, France 3, TF1 Studio, Arte courts-métrages et diverses sociétés de production ; co-présidente de Lecteurs Anonymes.

Le débat était animé et modéré par Alban Ravassard, président de Séquences7 et a tourné autour de nombreuses notions : les attentes des lecteurs et leur travail autour du scénario, l’établissement d’une fiche de lecture et ses caractéristiques, les lignes éditoriales des différents guichets ou destinataires du scénario, les erreurs les plus courantes commises par les scénaristes… le tout dans un dialogue libre, enrichissant et avec humour !

Le débat s’est poursuivi par un échange avec la salle permettant à nos intervenant.e.s de prodiguer conseils et retours d’expérience précieux, notamment autour des notes d’intention et des autres types de documents pouvant accompagner le scénario lors de sa présentation en commission (moodboard, CV etc…).

La soirée s’est ensuite close par le pot de fin d’année de Séquences7, occasion pour les membres présents d’échanger une dernière fois avant les fêtes de fin d’année, avant de se retrouver toutes et tous en 2019 pour de nouvelles aventures passionnantes.

Nous remercions vivement Les Lecteurs Anonymes et ses membres pour leur présence et leur générosité et la SACD pour son accueil chaleureux.

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A priori, un « dictionnaire », ça pouvait paraitre fastidieux. Sauf que tout le génie de ce Dictionnaire de la comédie musical, paru aux éditions Vendémiaire, tient au subtil dosage entre fiches sur les films et entrées concernant les acteurs ou les producteurs ou même certaines notions propres à ce genre.

L… comme La La Land ou Michel Legrand

Les chansons d’amour, Les demoiselles de Rochefort, La La Land, Billy Elliott, Les Blues Brothers, The Rocky Horror Picture Show, Grease, Flashdance… La seule évocation de ces titres convoque illico des images mais aussi des musiques, des énergies, des émotions. C’est une spécificité du genre : la musique est une voie directe vers nos émotions. On vibre rien qu’en égrenant ces titres de films.

Isabelle Wolgust aurait pu se contenter de recenser des fiches techniques sur les comédies musicales qui nous ont transportés, émus, enchantés. Mais, non. L’autrice de ce dictionnaire ne cède pas à la facilité. Si elle rappelle les pitchs de chaque film, elle en livre aussi des analyses plutôt très bien écrites. Et, autre point appréciable : aux côtés de ces films, il y a aussi des entrées sur les réalisateurs (Jacques Demy, …), les chorégraphes (Jack Cole…), les acteurs (Cyd Charisse, Gene Kelly…), les compositeurs (Bernstein of course mais aussi Harry Warren, compositeur de plus de 100 films et de morceaux comme Chatanooga Choo Choo ou encore The more I see you…).

Auteur de comédie musicale, ce que tu dois savoir….

Le glamour, le couvre-chef, les claquettes, Bollywood … ces facettes de la comédie musicale ont également droit à leur paragraphe dans ce Dictionnaire de la comédie musicale. C’est tout l’atout de ce pavé de plus de 300 pages : c’est une mine d’infos. On y parle aussi bien des liens entre les scènes de Broadway et les écrans d’hollywood, que d’immigration juive ou encore de la France, toujours en lien avec la comédie musicale. Enfin, il y a les anecdotes… Et l’on découvre ainsi la raison du « et cinq, six, sept, huit ! » que l’on entend dans les scènes de danse. La raison ? Si les musiciens travaillent sur quatre temps, les danseurs eux, travaillent sur une base de huit temps.

Dictionnaire de la comédie musicale, 296 pages +16 pages illustrées, 25 euros, éditions Vendémiaire.

A ne pas rater également : l’exposition Comédies musicales, la joie de vivre du cinéma, à la Philharmonie de Paris, jusqu’au 27 janvier 2019.

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1- On entre dans les coulisses du studio Ghibli

L’équilibre comme ligne d’horizon. Pour les fondateurs du studio Ghibli (c’est le nom d’un avion….), Hayao Miyazaki, Isao Takahata et Toshio Suzuki, il s’agissait de créer, en 1985, un cadre pour l’accomplissement de leur vision artistique. Et cela a fonctionné, avec le succès que l’on sait. Mais Ghibli c’était aussi une structure pour réaliser ce « monde parfait » auquel tenaient les fondateurs. Le studio a ainsi tout mis en œuvre pour permettre à ses employés de se sentir bien : salaires décents pour le milieu de l’animation, installation d’une crèche pour les jeunes parents, horaires fixes, interdiction des nuits blanches au travail… Welcome to Ghibli’s !

2 – On découvre le féminisme du Studio Ghibli

Dans les productions estampillées Ghibli, plusieurs thèmes apparaissent de façon incarnée : l’écologie, les croyances magiques, l’ingénierie… mais aussi le féminisme. « La filmographie des studios Ghibli est remplie des figures de guerrières plus ou moins puissantes, mais toujours volontaires, décortique Alexandre Mathis, l’auteur. Dans Le château dans le ciel, les pirates sont dirigés par leur mère, dans Pompoko, les tanukis femelles participent aux luttes ; dans Arrietty, le petit monde des chapardeurs, la jeune héroïne fonce sans crainte. Il n’y a guère que la maladie qui les atteignent (comme la mère dans Mon voisin Totoro). En 2015, Miyazaki déclarait : « Beaucoup de mes films comportent des personnages féminins forts. Des filles courageuses et indépendantes. Elles auront peut-être besoin d’un ami, ou d’un soutien, mais en aucun cas d’un sauveur. »

3 – En tant qu’auteur d’animation, on s’interroge sur ce qu’on veut raconter….

Alors que dans le ciné d’animation, en général, il s’agit de montrer aux petits comment grandir et trouver leur place dans le monde, prncipalement en se définissant par rapport à leurs parents ou mentor (et il doivent se montrer à la hauteur de leur bienveillance, bien sûr), chez Ghibli, «  le rapport à la famille est différent », pointe l’auteur. « L’héritage familial n’est pas toujours bénéfique et peut s’avérer carrément nocif, écrit-il. Ainsi, à propos de la princesse Kaguya, il écrit  : «  A trop chercher à couver son enfant et à diriger sa vie, le père a causé sa perte, exactement comme lorsque Seita du Tombeau des Lucioles tue sa soeur Setsuko à trop vouloir la protéger ». Dans d’autres films, la famille peut sauver et émanciper. « Pour les héros Ghibli, l’objectif est donc le même que celui des fondateurs du studio : savoir créer un cadre solide, tout en favorisant l’émancipation de chaque individu. » Une vision éminemment moderne. Loin des normes et des modèles figés. En tant qu’auteur, cela permet de se questionner sur ce que l’on peut/veut raconter et la façon de mettre en scène son récit.

Un monde parfait selon Ghibli, d’Alexandre Mathis, éd. Playlist Society, 174 pages, 14 euros.

Copyright : DR et Studio Ghibli

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