Le 20 février dernier, Séquences7 recevait des consultants en scénario, en partenariat avec les lecteurs anonymes. Ce qu’ils apportent au scénario, à l’auteur… On vous dit tout. 

Pour cette masterclass, nous recevions sur la scène de l’auditorium du Café des auteurs (SACD) cinq consultants. Co-présidente des lecteurs anonymes, scénariste, réalisatrice, lectrice, mais également psychanalyste, Sophie Muller en est naturellement venue à être consultante.  Nolwenn Lemesle est scénariste et réalisatrice, mais aussi consultante notamment au groupe ouest. Yacine Badday est scénariste, réalisateur et consultant, également au groupe ouest. Yasmine Louati a été lectrice pendant des années pour plusieurs grands groupes avant de passer de l’autre côté du stylo et de devenir consultante.  Enfin, Alain Layrac a eu une longue carrière de scénariste et de consultant.

Ils ont bien voulu nous faire partager leur expérience au service du scénario.  

Consultant, Script Doctor ou co-auteur… Une philosophie derrière la terminologie. 

Au premier abord, les termes de Consultant et de Script Doctor semblent désigner la même chose. Mais comme le fait remarquer Yasmine Louati : “Script Doctor est un terme américain et en France c’est un peu un gros mot.” On préfère donc parler de Consultant, d’autant que le terme américain semble renvoyer à une philosophie du métier différente. Aux États-Unis, le Script Doctor est forcément lui-même scénariste et il participe à la réécriture, il reprend souvent le scénario une fois terminé dans un délais de travail court pour des raisons qui concerne purement la production, comme des questions de budget ou de casting, sans nécessairement impliquer les auteurs originaux. 

Pour sa part, le Consultant peut intervenir sur un point précis de dramaturgie, comme l’explique Alain Layrac : “Moi ce qui m’intéresse c’est les sentiments. On m’appelle principalement pour ramener de l’émotion dans un film.” Mais, sauf exception, il ne réécrit pas lui-même. Un travail qui nécessite donc une certaine distance et des interventions sur des périodes courtes. C’est que le consultant doit poser des limites claires avec l’auteur autant qu’avec le producteur, explique Nolwenn Lemesle, “je donne trois séances de trois ou quatre heures, mais j’accepte que l’auteur m’appelle entre les séances, sinon c’est trop frustrant pour lui.” Cela, d’une part, pour préserver la vision de l’auteur, mais surtout car son rôle est d’apporter une expertise ponctuelle et non de devenir co-auteur. Un co-auteur doit s’impliquer sur un projet totalement, pour plusieurs années. “J’ai compris qu’au-delà du fait d’écrire ou pas, la différence c’est surtout que lorsque je suis co-auteur, le film ne me quitte jamais”, confesse Yacine Badday. 

Le consultant tient du psychanalyste.

Si le consultant n’est pas là pour ré-écrire le film, il est plutôt là pour poser un diagnostic et aider les auteurs à trouver leurs propres solutions. “Un auteur, il faut l’aider à accoucher, avoir la révélation qui le fait avancer, plutôt que de lui donner la solution”, précise Sophie Muller qui est également psychanalyste. Alain Layrac, à qui l’on fait parfois appel en tant que Script Doctor pour ré-écrire lui même des scénarios en urgence, compare avec le travail de consultant et conclut : “C’est davantage un travail de psy, je trouve.” Chacun des intervenants a insisté sur l’importance de l’écoute et de la bienveillance. “Il n’y a pas d’ascendant, insiste Yacine Badday, je sais que je pourrais être de l’autre côté, je suis aussi un auteur à qui on refuse des projets.” Ce que confirme Nolwenn Lemesle lorsqu’elle aborde sa méthode de travail : “On discute beaucoup. Ça permet de faire venir à la conscience des choses que l’auteur sait, qui le guident.” 

Car le risque est qu’en prenant trop les rênes, l’auteur se crispe et voit le consultant comme une menace pour sa vision du projet ou qu’il occasionne une démission. Il faut éviter “que l’auteur décide de le laisser faire comme un gourou” et donc il ne faut pas “prétendre amener des solutions toutes faites”, met en garde Yacine Badday. Un constat que nuance Yasmine Louati : “Au tout début, je mettais un point d’honneur à tourner autour du pot. Mais j’hésite moins car toutes les solutions que j’ai proposées, les auteurs en général ne les prennent pas, mais ça les aide à trouver leur propre solution.” C’est donc un équilibre à trouver, qui implique d’apprendre à connaître l’auteur et de comprendre ses besoins avant toute chose. 

On fait souvent appel à un consultant… trop tard.

Naturellement, faire appel à un consultant représente un coût et il arrive donc que des producteurs repoussent ce recours au consultant jusqu’à l’étape du dialogué. Alors que le consultant permet justement de régler les problèmes en amont. “Le problème ne vient jamais des dialogues, il vient des personnages” prévient Alain Layrac qui a souvent été confronté à ce cas : “Le producteur n’a pas l’idée de faire appel à un consultant, il attend d’avoir le scénario et appelle si ça ne va pas.” Un problème qui concerne souvent les productions les plus fragiles, qui sautent les étapes faute d’argent. “Il faut éduquer dessus. Sensibiliser à l’étape du développement” conclut Sophie Muller. Faute de moyens, certains films d’auteurs doivent parfois même passer du synopsis directement aux dialogues, brûlant des étapes précieuses. Ce qui n’est pas sans conséquences. “On récupère des textes incohérents”, met en garde Yasmine Louati. “On décide souvent pour des questions d’économies de laisser l’auteur faire seul, même s’il a besoin d’un co-scénariste” renchérit Nolwenn Lemesle. “On préfère souvent payer un consultant, puis finalement on est obligé d’en payer trois”, tant les problèmes se sont accumulés.

Tout cela vient souvent d’un trop plein d’investissement des producteurs dans un savoir scénaristique qu’il n’ont pas forcément acquis. “Il faut apprendre à lire un scénario”. Pour Nolwenn Lemesle “quand ils font part de leur retour en terme d’intention et impression, c’est toujours intéressant mais quand ils donnent des prescriptions… ça ne va pas.” Alors quand faut-il faire appel à une aide extérieure pour ne pas rater cette étape cruciale du développement ? Concernant les lecteurs, “on ne les demande pas sur des synopsis mais toujours sur du dialogué et c’est dommage” regrette Alain Layrac. Si l’auteur ne s’en sort pas, il faut faire intervenir un co-auteur le plus tôt possible. Puis vient ensuite un consultant. Pour Alain Layrac, le moment idéal pour faire appel à un consultant, serait “au moment où on a une structure, traitement ou séquencier, mais pas encore de dialogué.” Un travail d’écriture plus collective est donc souhaitable pour le bien du scénario. Une mentalité qui s’est peu à peu imposée dans la série TV, mais qui peine à s’étendre au cinéma, notamment d’auteur. “Les auteurs-réalisateurs sont très seuls” constate Nolwenn Lemesle et certains ont peur d’être dépossédés de leur oeuvre, d’où l’importance du lien humain dans le choix du consultant.

T.C.

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Une writers’ room, ça s’organise

Dès le départ, l’idée du duo était de créer une série qui pouvait tenir le rythme d’une saison par an. A l’époque, rappelons-le, il fallait souvent patienter deux ans, parfois plus, pour pouvoir visionner la saison ultérieure d’une série française. Pour les deux producteurs, pas question. Le principe d’une série, c’est de rendre addictif, et le facteur temps fait partie du jeu. Aussi, avant d’attaquer leur travail, Alex Berger et Éric Rochant se sont-ils rendus à New York pour analyser l’organisation des auteurs américains qui parviennent, eux, à fournir chaque année des saisons de 8 à 24 épisodes. « Les règles que nous avons adaptées, ce sont celles des Guildes professionnelles qui déterminent les normes du travail, elles-mêmes remises à jour tous les 4 ans », explique Alex Berger. 

Aussi, quand Canal + accepte le projet, Alex Berger et Eric Rochant vendent en parallèle un process de fabrication rôdé : la writers’ room à l‘américaine, appelée en France un Atelier d’Écriture Structurée (ADES), dirigée par un showrunner, auteur producteur ou chef scénariste. « L’idée était de mettre l’écriture au centre, rappelle Alex Berger, et pour cela, il fallait s’appuyer sur le créateur de la série, en l’occurence Eric. Il en est le garant et doit pouvoir transmettre sa vision de la série aux comédiens, aux réalisateurs, aux monteurs, aux techniciens en général et aux équipes artistiques qui interviennent sur « Le Bureau des légendes ». Et c’est un process qui coûte cher. » Cette organisation, Alex Berger l’a décrite dans un rapport sur l’organisation de l’écriture sérielle, commandé par le CNC et disponible sur son site.

Les auteurs sont au service de la vision du créateur

Une writers’ room, autrement dit un atelier d’écriture structurée (ADES) ce n’est pas un banal atelier d’auteurs. C’est un créateur qui dit oui ou non, il faut que chaque idée soit au service du projet et il est le détenteur de la « pureté de l’idée initiale ». Ego surdimensionnés… s’abstenir ! « L’idée c’est d’écrire à plusieurs mains mais avec un seul esprit », résume Eric Rochant.

Dans l’ADES du « Bureau des Légendes », il y a donc un showrunner-créateur (Eric Rochant), des auteurs d’épisodes, des scénaristes collaborateurs et des auditeurs (en formation). Et dans cet ordre-là. Ce qui est complètement nouveau en France. Et ce qui induit aussi que toute la chaîne de développement soit encadrée. Rien que sur l’écriture, les retours sur les textes se font rapidement «  après un rendu, la chaîne a 5 jours pour faire des notes et les auteurs peuvent travailler dans la dynamique  », explique Alex Berger.

Une série n’est pas une histoire

Enfin, au cours de cette masterclass, Éric Rochant, venu du cinéma (« Un monde sans pitié », « Les patriotes », « Möbius »…) a rappelé que « la série, c’est de la durée, c’est pas une histoire ! ». Contrairement au cinéma, donc. Autrement dit, si l’idée de départ couvée par l’auteur est « l’histoire de… » (un début, un milieu, une fin) alors il faut en faire un film. Si l’histoire est longue, et a une fin, il s’agit d’une mini-série (par exemple 6×52’). « Ecrire une série, avec plusieurs saisons, rappelle Eric Rochant, c’est vouloir décrire un univers ». Pour cela, rappelle-t-il, les univers professionnels s’y prêtent volontiers. Il faut aussi que le sujet de la série supporte la récurrence.

Alors, comment trouver la « bonne » série ? Pour Rochant, après l’idée, il faut un concept. Et c’est la partie la plus difficile. Le concept, dans « les Sopranos », c’est un mafieux du New Jersey… qui va chez le psy. Ça veut dire qu’il est angoissé, qu’il a un problème moral. « Une idée de série sans concept, ça ne marche pas, confie le show-runner. Les personnages sont eux-mêmes induits par le concept. Si l’histoire emmène les gens, ce qui compte en réalité, c’est le concept, capable de se développer sur plusieurs saisons ». Autrement dit, il faut trouver le moteur qui fait avancer. Et ce moteur doit être increvable. 

Séquences7 remercie Alex Berger, Eric Rochant et leurs assistantes respectives Marjolaine Mathiaud et Alexia Lecerf pour la mise en place de cette masterclass qui a pu accueillir 80 adhérents au cinéma L’Entrepôt.

A.L.

Photo Masterclass : ©Jérémy Forges.

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Le mardi 19 Novembre 2019, Séquences7 a eu le plaisir et l’honneur d’être accueilli au sein du CNC afin d’y recevoir Rémi Bezançon et Vanessa Portal. L’occasion unique d’échanger en détails avec eux autour de leur filmographie et plus spécifiquement de leur pratique de l’écriture, seuls ou à deux, et d’évoquer avec ce couple de scénaristes / réalisateur leur parcours. Une rencontre riche, placée sous le signe de la bonne humeur et du partage.

Les échanges ont débuté autour des premiers long-métrages de Rémi Bezançon, « Ma vie en l’air » et « Le premier jour du reste de ta vie » dont il était le seul scénariste, bien que, sur le second, Rémi ait fait régulièrement appel au regard précieux de Vanessa sur ses personnages, notamment féminins. L’occasion de revenir sur la rencontre de Vanessa et Rémi et sur le début de leur collaboration artistique commune sur l’adaptation d' »Un heureux événement« , adapté de l’œuvre éponyme d’Eliette Abécassis.

Après avoir parlé des difficultés de l’adaptation, et du travail de recherches mené pour ce script, notamment sur le forum en ligne de Doctissimo (!), un lieu virtuel précieux de ressources insoupçonnées selon Rémi, nous avons abordé la genèse de « Zarafa », première incursion de Rémi Bezançon dans le cinéma d’animation. Les échanges se sont poursuivis autour de la création de « Nos futurs » et « Le mystère Henri Pick« , adapté du roman éponyme de David Foenkinos, l’occasion de parler des thèmes de prédilection de Rémi et Vanessa au sein de leurs œuvres, véritable cinéma de portrait : la famille, l’amour et l’amitié. Des sujets universels et intimes qui ne sont pas si simples à aborder et traiter.

La Masterclass, modérée par Alban Ravassard, s’est enrichie d’un dialogue libre autour de l’expérience de nos prestigieux intervenants en tant que scénariste, de leur collaboration et méthodes d’écriture au choix de leurs sujets mais aussi de leurs sources d’inspirations et références. Vanessa et Rémi ont ainsi partagé avec les scénaristes émergents présents, de nombreux et précieux conseils basés sur leur propre expérience de l’écriture.

Nous remercions Les Lecteurs Anonymes d’avoir permis l’organisation de cette rencontre; le CNC et ses équipes pour la mise à disposition de leur salle de projection et leur accueil chaleureux et enfin Rémi Bezançon et Vanessa Portal pour leur disponibilité, leur présence et leur générosité.

Crédits photos : Jérémy Forges & Geneviève Delouche

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Le mardi 22 octobre 2019, Séquences7 a eu le plaisir et l’honneur de recevoir Patrice Leconte pour échanger en détails avec lui autour de son abondante filmographie et plus spécifiquement de sa pratique de l’écriture. Une occasion unique d’évoquer avec lui son parcours de scénariste, réalisateur, metteur en scène de théâtre mais aussi dessinateur et écrivain. Un artiste prolifique pour une rencontre riche, placée sous le signe de l’humour et de la générosité.

Ce fut l’occasion de discuter avec Patrice Leconte de ses débuts comme dessinateur, encouragé dans cette démarche par Gotlib, au sein du magazine « Pilote » alors dirigé par Goscinny. Puis, après sa formation à l’IDHEC (prédécesseur de la FEMIS), de ses débuts au cinéma avec « Les Wécés étaient fermés de l’intérieur » dans lesquels jouaient Coluche et Jean Rochefort, une expérience qui fut fondatrice pour Patrice, mais aussi traumatisante…

Un voyage à travers la filmographie éclectique de Patrice Leconte s’est ainsi constitué peu à peu, focalisé sur l’écriture au sens large, des « Bronzés » à « Ridicule », en passant par « Dogora« , son unique documentaire tourné au Cambodge et « Le Magasin des suicides » adaptation de l’oeuvre éponyme de Jean Teulé, son incursion réussie dans le cinéma d’animation. L’écriture de ses romans, et l’adaptation d’œuvres littéraires d’autres artistes furent aussi au cœur d’échanges passionnants.

La Masterclass, modérée par Alban Ravassard, s’est enrichie d’un dialogue libre autour de l’expérience de notre prestigieux intervenant en tant que scénariste, de sa collaboration avec ses différents co-scénaristes, de ses méthodes d’écriture au choix de ses sujets mais aussi de ses sources d’inspirations / ses références. De nombreuses anecdotes humoristiques, émouvantes et instructives furent échangées avec le public présent.

Cette soirée exceptionnelle s’est terminée dans la convivialité, autour d’un pot de l’amitié au bar de la maison des auteurs SACD.

Nous remercions Joëlle Autret d’avoir pu rendre cette rencontre possible et Patrice Leconte pour sa disponibilité, sa présence et son enthousiasme. Enfin un grand merci à la Maison des Auteurs SACD et son équipe pour leur accueil toujours aussi chaleureux.

Crédits photos : Anaïs Venturi & Jérémy Forges

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L’Art de dialoguer selon Jean-Marie Roth

C’est devant une salle comble et avide de connaissance que le théoricien du scénario nous a partagé ses recherches et observations, défendant d’emblée qu’« un bon dialogue s’oublie ».

Jean-Marie Roth a insisté sur l’importance pour l’auteur de savoir ce qu’il souhaite raconter, et de vérifier l’intérêt des propos tenus par les personnages.

Le théoricien du scénario nous a rappelé les écueils à éviter tels les évidences, les « explications hermétiques », les digressions, les monologues explicatifs, et particulièrement la redondance entre ce qui est montré à l’image et ce qui est dit via le dialogue…

Il a aussi remarqué que le fait de peiner sur certains dialogues reflétait parfois un problème plus général dans la séquence-même.

Par ailleurs, Jean-Marie Roth est revenu sur l’importance de ne pas juger ses personnages, ainsi que sur les fonctions du dialogue.

Il nous a partagé certaines techniques pour dialoguer, et a par exemple conseillé de penser les dialogues en fonction du jeu d’informations que l’on souhaite transmettre au spectateur et aux personnages. Mais surtout, il a recommandé de penser les dialogues en fonction des objectifs des personnages dans la scène.

Pour finir, le scriptdoctor a conseillé de « laisser parler le sous-texte et les silences ». Il a ainsi argué que sans chercher l’effet de manche, les dialogues devaient avant tout rester au service du récit et des personnages.

La soirée fut dynamique du fait d’une audience vive et captivée, encouragée à participer grâce à l’humour et la gentillesse de Jean-Marie Roth.

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« Dix pour cent », c’est la commission prise par un agent artistique sur les contrats négociés pour ses talents, mais c’est aussi le titre d’une série française couronnée de succès qui vient de remporter trois Globes de Cristal dont celui de la Meilleure Série de l’année, suite à la diffusion de sa saison 3 sur France 2. Quelle meilleure occasion alors pour recevoir la scénariste créatrice de la série Fanny Herrero, pour nous parler de son travail, organisé autour d’un pool d’auteur dont Judith Havas et Frédéric Rosset étaient les dignes représentants lors de cette masterclass exceptionnelle.

Face à l’industrialisation des séries de prime time et à des délais de production de plus en plus courts, l’écriture en pool d’auteurs est devenue la règle : sous la tutelle du directeur de collection, un certain nombre d’auteur.e.s sont réuni.e.s pour établir les arches narratives de la saison d’une série, puis chargés d’en écrire chacun.e un épisode seul.e ou en binôme.

Quelle est la hiérarchie d’un pool d’auteurs et comment s’organise le travail ? Quelles sont les qualités nécessaires ou recherchées chez un scénariste pour intégrer un pool d’auteurs ? Quels sont les avantages et inconvénients d’un tel type d’organisation de l’écriture sérielle ? Quel rapport entretient le directeur de collection avec les producteurs et les réalisateurs de la série ?

Mais aussi des questions plus spécifiques à l’écriture de « Dix pour cent » : genèse de la série, écrire pour/en fonction des stars guests des épisodes, le départ de Fanny Herrero après la saison 3 et le passage de relais entre directeurs de collection sur une série en cours de production… Un exemple des nombreuses questions abordées qui ont généré des réponses précises et passionnées de la part de nos intervenant.e.s lors du débat animé et modéré par Alban Ravassard, président de Séquences7.

Cette discussion s’est poursuivie par un échange avec la salle permettant à nos intervenant.e.s de prodiguer conseils et retours d’expérience précieux aux auteur.e.s émergent.e.s présent.e.s. La soirée s’est ensuite close autour d’un verre de l’amitié offert par Séquences7, occasion pour les membres présents d’échanger entre eux et avec les auteur.e.s de « Dix pour cent ».

Nous remercions vivement Fanny Herrero, Judith Havas et Frédéric Rosset pour leur disponibilité, leur présence et leur générosité. Et un grand merci à la SACD et l’équipe de la maison des auteurs pour son accueil toujours aussi chaleureux.

Crédit photos : Sébastien Morin

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Ils étaient quatre sur scène. Les 4 fantastiques ? Presque ! En tout cas, il leur en faut des super pouvoirs pour étirer les heures consacrées à la lecture des scénarios, (dé)geler les projets, rendre visibles ou invisibles les forces et faiblesses de ces même projets…. Des pouvoirs pourtant tout relatifs à écouter les quatre intervenants de cette masterclass consacrée à la lecture de scénario, tous issus de Lecteurs Anonymes. Tous rodés à l’examen de scénarios dans les commissions de lecture d’attribution d’aides ou de subventions, mais aussi auprès des producteurs et des chaînes de télévision.

Afin d’échanger autour de ce sujet riche et passionnant, nous avons donc eu le plaisir et l’honneur de recevoir quatre membres des Lecteurs Anonymes :

– Olivier Ciechelski : lecteur pour pour Canal + et pour des sociétés de production.
– Lætitia Kugler : lectrice pour la région Île-de-France et Bourgogne Franche-Comté qui a également lu pour Gaumont, la contribution financière au court métrage du CNC, Arte courts-métrages, France 2 fiction TV, les régions Lorraine et Aquitaine.
– Ludivine Saes : lectrice pour le FAIA (CNC) et Arte Fiction, ainsi que pour l’aide à l’écriture de la région Grand Est.
– Anna Marmiesse : lectrice pour l’Avance sur recettes du CNC, France 3, TF1 Studio, Arte courts-métrages et diverses sociétés de production ; co-présidente de Lecteurs Anonymes.

Le débat était animé et modéré par Alban Ravassard, président de Séquences7 et a tourné autour de nombreuses notions : les attentes des lecteurs et leur travail autour du scénario, l’établissement d’une fiche de lecture et ses caractéristiques, les lignes éditoriales des différents guichets ou destinataires du scénario, les erreurs les plus courantes commises par les scénaristes… le tout dans un dialogue libre, enrichissant et avec humour !

Le débat s’est poursuivi par un échange avec la salle permettant à nos intervenant.e.s de prodiguer conseils et retours d’expérience précieux, notamment autour des notes d’intention et des autres types de documents pouvant accompagner le scénario lors de sa présentation en commission (moodboard, CV etc…).

La soirée s’est ensuite close par le pot de fin d’année de Séquences7, occasion pour les membres présents d’échanger une dernière fois avant les fêtes de fin d’année, avant de se retrouver toutes et tous en 2019 pour de nouvelles aventures passionnantes.

Nous remercions vivement Les Lecteurs Anonymes et ses membres pour leur présence et leur générosité et la SACD pour son accueil chaleureux.

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Cet évènement s’inscrivait dans la continuité de la masterclass organisée la saison précédente sur « le scénario lu par les chefs de poste ». Il nous apparaissait en effet intéressant que le voile soit levé sur l’univers de la post-production, domaine souvent peu connu ou méconnu des scénaristes.

Pour en parler nous avons ainsi eu l’honneur de recevoir :

• Sophie Brunet, monteuse
• Charles Jodoin-Keaton, scripte
• Erwann Kermorvant, compositeur

Des sujets variés ont été abordés avec nos intervenant.e.s : Que devient le scénario une fois le film tourné ? Comment et en quoi se transforme-t-il ? Quelles leçons en tirer pour l’écriture ?

Documents à l’appui, nous avons donc découvert ensemble ce qu’était une continuité, créée par le/la scripte à partir du scénario et véritable document de communication et de veille de respect des intentions narratives durant le tournage et la post-production. Le scénario apparaît comme un objet paradoxal en post-production : essentiel mais immatériel, souvent transformé, prenant la forme d’une continuité (de plus en plus souvent numérique), de rushes ou de maquettes musicales.

Le scénario est le fil rouge du travail de chacun, et pourtant la post-production est le moment où l’on essaie le plus de « l’oublier », pour mieux le questionner, en dégager et conserver l’essence après les modifications subies lors du tournage. Cette essence, c’est l’émotion, véritable cap et langage universel aux différents intervenantes de la post-production durant ce qui se dessine comme une véritable troisième écriture du film.

Les retours d’expérience et échanges furent riches et passionnants, grâce à la générosité de nos intervenants que nous remercions chaleureusement pour leur participation à cet évènement.  Merci à la SACD pour son accueil, et à son équipe technique.

Nous vous donnons rendez-vous au mois de décembre pour une nouvelle masterclass !

Photos : Tom Thomas Krebs / Idir Zebboudj / Garance Hamon

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Pour rappel, le concept est simple : trois questions rapides posées aux intervenants des Masterclass organisées par Séquences7, afin de revenir sur des sujets abordés durant ces dernières.

Les questions ont été posées et les propos recueillis, par Alban Ravassard, président de Séquences7.

Sabrina B.Karine est scénariste. Elle a travaillé pour le cinéma et a notamment co-signé le scénario du long-métrage « Les Innocentes » avec Alice Vial, réalisé par Anne Fontaine, qui fut nommé au César du Meilleur Scénario Original. Elle a aussi oeuvré en télévision dans l’équipe d’écriture de « Fais pas-ci, Fais pas ça » et « Dix pour cent« . Elle est membre du collectif de scénaristes Les Indélébiles et a co-fondé La Scénaristerie avec Léo Karmann.

Léo Karmann est scénariste et réalisateur. Il a d’abord travaillé comme assistant-réalisateur pendant plusieurs années sur de nombreux tournages cinéma et télévision. Membre du collectif des Indélébiles depuis sa création, il commence une étroite collaboration artistique avec Sabrina B. Karine, avec qui il écrit notamment son premier long métrage, La dernière vie de Simon (sélectionné au Forum des Auteurs de Valence en 2014 et produit par Geko Films) et co-fonde La Scénaristerie.

1 / « La dernière vie de Simon » est un film fantastique dont le personnage principal est un enfant doté d’un pouvoir surnaturel. Du fait du genre du film, quelles difficultés avez-vous rencontré pour trouver un producteur ?

Il nous a été très difficile de trouver un producteur. De manière générale, le film s’est monté sur des coups de coeur. C’était le seul moyen possible de le financer. Sinon, qui voudrait d’un premier film fantastique, drame, sans tête d’affiche ? Notre seule et unique arme était le scénario.

2 / Sabrina, co-scénariste du film était présente sur le plateau durant la majorité du tournage, ce qui est relativement rare pour être souligné. Pourquoi ce choix et quels avantages en avez-vous chacun retirés ?

Ça s’est fait extrêmement naturellement. Nous avons créé cette histoire ensemble, pourquoi donc exclure la co-scénariste au moment de la faire vivre ? La présence du ou de la scénariste sur le plateau est un confort génial : quoi qu’il se passe, elle était là pour être la garante de l’intégrité du scénario, et avait une voix et un avis sur les décisions de coupe de scène ou de modification de texte inhérentes au tournage. Faire un film est un travail d’équipe, du début à la fin.

3 / Quels conseils donneriez-vous à un auteur se lançant dans l’écriture d’un premier long-métrage ?

Écrivez le film dont vous rêvez et accrochez-vous. Vous ne serez jamais aussi endurant que sur un projet qui vous définit.

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Devant une salle comble, Jean-Marie Roth a expliqué deux heures durant ce qu’est un pitch, ce que doit contenir un synopsis, à quoi sert le traitement, quand écrire sa continuité dialoguée. Et surtout, comment faire tout ça. L’affaire est d’autant plus essentielle que de la justesse de fond et de forme des écrits dépendra la lisibilité et donc la crédibilité d’un auteur.

Durant cette masterclass, Jean-Marie Roth a parlé des différents formats d’écriture et expliqué comment choisir le plus pertinent en fonction du projet. Il a également signalé à son auditoire attentif ce qui est rédhibitoire dans l’écriture scénaristique et les erreurs qu’ils rencontrent le plus souvent et qui agacent les producteurs. Pour finir Jean-Marie Roth a donné des astuces pour rendre son scénario professionnel et susciter la confiance des producteurs.

Photos : Joëlle Autret

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