En guise d’introduction, Marc Herpoux, co-créateur des Témoins (8×52, France 2), de Pigalle, la nuit (8×52, Canal+) et Au-delà des murs (3×52, Arte), nous explique que sa méthodologie consacrée aux séries est certes le résultat de ses lectures, mais aussi et surtout de ses expériences.

Doser son moteur sériel

Cette méthodologie se veut simple, claire et précise et pose les nécessaires fondations de tout travail d’écriture. Il faut dans un premier temps, réfléchir le sujet (ou « métathème ») et approfondir le concept d’une série. Ce travail de fond est un indispensable préalable pour construire l’identité de sa série, son originalité, et va déterminer par la suite le choix et le dosage des moteurs sériels.

Ces moteurs sont au nombre de quatre: plot driven, character driven, arena driven , theme driven (pour en savoir plus, vous trouverez le précédent article riche en détails sur la précieuse méthodologie de Marc Herpoux). Changer de moteur ou de dosage, c’est modifier le cœur et le propos de sa série. Pour Marc Herpoux, peaufiner ce dosage entre les quatre moteurs est pour le scénariste un travail analogue à celui d’un ingénieur du son devant sa table de mixage.

Nous avons abordé le particularisme de la structure sérielle pour mieux appréhender les quatre angles de la narration (les fameux quatre moteurs) et leur variation, ainsi que l’écriture de la première saison avant celle du pilote. Et Marc Herpoux d’insister sur un point: écrire une première saison demande beaucoup plus de temps que les saisons suivantes ! Crucial, le choix du moteur dramatique est la première étape dans l’élaboration de la série – et de sa première saison. Tout le travail du scénariste consiste alors à définir les passages obligés de sa première saison.

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Si la période des festivals est l’occasion de pitcher oralement ses projets, l’art du pitch écrit est tout aussi important, que ce soit dans le cadre de vos échanges avec les producteurs, ou de divers appels à projets (festivals, bourses, résidences…).

« Pitcher, c’est convaincre », rappelle en préambule Claire Dixsaut. Le pitch écrit constitue donc un exercice de communication en soi, que bien des scénaristes redoutent, craignant de ne pas savoir se vendre (l’auteur de ces lignes compris !). Cette méthode mise au point par Claire vise justement à nous transmettre les outils permettant à chaque auteur de surmonter efficacement cette hantise.

Le pitch est en effet une « promesse », annonciatrice du genre de l’œuvre. Et comme toutes les promesses, il s’agit donc de la tenir ! C’est le meilleur moyen d’instaurer la confiance avec un producteur, un diffuseur… Avant toute chose, il faut commencer par savoir à quel producteur on a affaire : plutôt que de pitcher tous azimuts, autant maximiser ses chances en adaptant son pitch écrit à la ligne éditoriale de la société de production visée… Et le pitch doit être à la fois suffisamment clair et explicite quant au genre de l’œuvre pour que le producteur puisse rapidement déduire si le film est pour lui ou non. Un seul mot d’ordre : « Efficacité » !

La Check List, boîte à outils des pitchs écrits

Avant de commencer à rédiger ses pitchs, il s’agit d’établir la « check list » des éléments dramaturgiques du projet : quel est le conflit du héros (ou du personnage auquel le spectateur s’identifiera le plus facilement dans le cas d’une série avec plusieurs protagonistes) ? Éventuellement, quelle est sa faille ? Quel est son problème ? Dans quel piège tombe-t-il ? Qui est son antagoniste ? Pour une série, quelle est l’arène ? Quelles interactions a-t-il avec les autres personnages ? etc.

Une promesse doit aussi être visuelle, insiste Claire : dans la caractérisation du personnage (allure, vêtements, traits comportementaux saillants…), mais aussi dans le choix d’une scène emblématique, sorte de bande annonce du projet, suffisamment évocatrice pour permettre à l’interlocuteur de déjà « voir le film ». Et aussi – surtout ? – réussir à lui communiquer l’émotion que l’on veut transmettre.

Quelques conventions d’écriture maintenant : un pitch s’écrit au présent, avec des phrases courtes (il faut être percutant dès la première lecture, car un scénariste n’a pas deux fois l’occasion de faire une bonne première impression !). Autre impératif : être concis, bien sûr (surtout dans un pitch «  trois lignes ») mais surtout précis, et là, les choix des verbes d’action sont cruciaux. Plus ces verbes sont précis, plus l’ambiance visuelle s’installe… Et, très important : votre pitch doit avoir un rythme avec des « pleins et déliés » (en insérant des questions, des exclamations, une réplique de personnage en style direct…), afin d’éviter l’effet monocorde du résumé à la Téléloisirs !

Les différentes formes de pitchs

Dans la famille pitch écrit, je demande d’abord : la phrase d’accroche (ou Base line, ou encore Tag line) ! Celle qu’on retrouve sur les affiches de cinéma. Ce n’est pas un résumé de l’œuvre, c’est (encore une fois), une promesse, sur le genre de l’œuvre, mais aussi sur l’émotion que l’on veut susciter chez le spectateur… Nb : cette phrase d’accroche peut venir en début d’un pitch plus long.

Cette Tag line est à différencier du pitch en une phrase ( ou Log line) ! Plus indiqué pour des producteurs anglo-saxons, l’exercice vaut tout de même le détour afin de se mettre au clair sur son projet. En une phrase, il faut distiller suffisamment d’informations sur l’intrigue, avec bien sûr un maximum de personnalité ! Pour cela, deux recettes possibles : soit on s’appuie sur l’incident déclencheur, le protagoniste, l’action principale et l’antagoniste ; soit sur le protagoniste, l’action principale, l’antagoniste, l’objectif et l’enjeu.

Puis vient le pitch en trois phrases, qui va venir en tête de vos envois de traitements et autres continuités dialoguées. Chaque phrase doit observer des contraintes de fond et de forme. Le tout est de ne pas vouloir trop en dire… La première doit commencer par un adverbe accrocheur (« Quand », « Tandis que », « Comment »), évoquant l’incident déclencheur, le protagoniste (visuellement caractérisé !) et l’objectif ; la deuxième doit décrire l’action centrale du protagoniste (au moins pour le premier acte d’un film), porteuse d’un enjeu (ce que le protagoniste a à gagner ou à perdre), le tout en posant le genre ; et enfin, la troisième phrase doit introduire l’antagoniste et introduire une tension dramatique (suffisante pour inciter le producteur à lire la suite du document !).

Comme le veut l’adage, qui peut le plus peut le moins : un pitch trois phrases permet de rédiger un pitch en cinq phrases…

Vient enfin le pitch en une page, plus détaillé, mais toujours visuel (et précis !), en action, concentré sur l’axe « protagoniste-objectif-enjeu-obstacles ». Et là aussi, plutôt que de terminer par la fin de l’œuvre, le tout est de réussir à ménager une tension dramatique… Avec des modalités spécifiques selon le type de projet (unitaire, long métrage, série).

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Un livre deux-en-un. C’est ainsi que l’on pourrait qualifier le livre tout juste paru chez Playlist Society, intitulé « Valérie Donzelli, le tourbillon de la vie », signé de Thomas Messias et Quentin Mével. On aura tous saisi l’allusion à la chanson de Serge Rezvani, interprétée par Jeanne Moreau dans Jules et Jim de Truffaut, devenue une sorte d’ode à la liberté. On s’égare ? Non, car de la liberté, il lui en faut à Valérie Donzelli pour faire les films comme elle les imagine.

Reprenons. Cet opus est d’abord composé d’une première partie d’analyse. Dans ce décryptage, Thomas Messias souligne que l’un des points forts de Valérie Donzelli réside en l’apparente faiblesse de ses personnages féminins, véritables « anti-héroïnes ». « On assiste à un téléscopage de vies incomplètes, émaillées de frustrations et de regrets », écrit Thomas Messias. Et c’est réjouissant ! Valérie Donzelli joue des contrastes comme d’autres du saxophone : c’est envoûtant, captivant et le rythme se fait doux ou palpitant. Et cela apparaît dès la caractérisation des personnages, dès les situations qu’ils rencontrent (au scénario donc) mais aussi grâce au montage qui confère une « énergie positive » aux films. Un exemple ? Dans La Reine des Pommes (2010), la réalisatrice ajoute « des couches et des niveaux de lecture qui accélèrent la narration, notamment via des split screens qui dédoublent l’action, et l’ajout de voix off qui donnent de l’élasticité à la narration. » 

Mais surtout, et c’est un terreau fertile pour la comédie, Valérie Donzelli accepte la noirceur de la vie et des situations. « Pour Donzelli, les préconisations restent les mêmes : ne pas faire comme si tout cela n’existait pas, mais l’intégrer à son quotidien, ce qui n’ôte pas l’angoisse, mais contribue à l’apaisement. » En bref, le cinéma de Donzelli, c’est les montagnes russes.

Et qu’en dit Donzelli ? La deuxième partie du livre est un long entretien mené par Quentin Mével. Valérie Donzelli y raconte son parcours semé d’embûches (tiens, comme ses héroïnes…) et son désir de faire du cinéma, le plus librement possible (comme on vous le disait plus haut, donc). C’est ainsi que son premier long n’avait pas de producteur au départ. Elle l’a tourné avec un minimum de moyens. Un tournage sur une durée réduite, avec une équipe format mini. Et d’ailleurs, quand il lui a fallu passer à des budgets de films plus conséquents, ce n’est pas toujours là, révèle-t-elle, qu’elle s’est sentie le plus à l’aise. 

Pourtant, avec ou sans budget, son cinéma a une « patte », reconnaissable entre toutes. Ses ingrédients magiques ? Les scènes muettes, dans lesquelles les acteurs ne parlent pas forcément, parfois avec un ajout de cartons… qui créent aussi un décalage burlesque. En réalité, la cinéaste tourne la scène d’abord avec les dialogues, puis version muette. « C’est génial, dit-elle, ça permet d’étirer le temps au montage, si on en a besoin. » Autre marque de fabrique : les fermetures à l’iris, écrites dès le scénario, comme pour La Reine des Pommes. «  J’aime cette façon de créer une tension particulière, de fermer un chapitre, note la cinéaste. En terme de récit, je trouve cela très efficace, ça dit beaucoup de choses, comme un fondu. » Et puis, Valérie Donzelli assume, comme rarement, le burlesque. Ainsi, dans Notre-Dame, sorti en décembre 2019,  co-écrit avec Benjamin Charbit (co-scénariste sur En Liberté ! de Pierre Salvadori), les baffes se distribuent-elles gratuitement par des gifleurs petits et en imperméable. Précédemment, dans La Reine des pommes, un pervers en imper se faisait piquer le dernier velib’ dispo et courait après un bus. Enfin, un dernier secret ? « La méchanceté c’est de la comédie. » Si c’est Donzelli qui le dit…

« Valérie Donzelli, le tourbillon de la vie », de Thomas Messias et Quentin Mével, 128 pages, 8 €, ed. Playlist Society, Collection Face B.

A.L.

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A priori, un « dictionnaire », ça pouvait paraitre fastidieux. Sauf que tout le génie de ce Dictionnaire de la comédie musical, paru aux éditions Vendémiaire, tient au subtil dosage entre fiches sur les films et entrées concernant les acteurs ou les producteurs ou même certaines notions propres à ce genre.

L… comme La La Land ou Michel Legrand

Les chansons d’amour, Les demoiselles de Rochefort, La La Land, Billy Elliott, Les Blues Brothers, The Rocky Horror Picture Show, Grease, Flashdance… La seule évocation de ces titres convoque illico des images mais aussi des musiques, des énergies, des émotions. C’est une spécificité du genre : la musique est une voie directe vers nos émotions. On vibre rien qu’en égrenant ces titres de films.

Isabelle Wolgust aurait pu se contenter de recenser des fiches techniques sur les comédies musicales qui nous ont transportés, émus, enchantés. Mais, non. L’autrice de ce dictionnaire ne cède pas à la facilité. Si elle rappelle les pitchs de chaque film, elle en livre aussi des analyses plutôt très bien écrites. Et, autre point appréciable : aux côtés de ces films, il y a aussi des entrées sur les réalisateurs (Jacques Demy, …), les chorégraphes (Jack Cole…), les acteurs (Cyd Charisse, Gene Kelly…), les compositeurs (Bernstein of course mais aussi Harry Warren, compositeur de plus de 100 films et de morceaux comme Chatanooga Choo Choo ou encore The more I see you…).

Auteur de comédie musicale, ce que tu dois savoir….

Le glamour, le couvre-chef, les claquettes, Bollywood … ces facettes de la comédie musicale ont également droit à leur paragraphe dans ce Dictionnaire de la comédie musicale. C’est tout l’atout de ce pavé de plus de 300 pages : c’est une mine d’infos. On y parle aussi bien des liens entre les scènes de Broadway et les écrans d’hollywood, que d’immigration juive ou encore de la France, toujours en lien avec la comédie musicale. Enfin, il y a les anecdotes… Et l’on découvre ainsi la raison du « et cinq, six, sept, huit ! » que l’on entend dans les scènes de danse. La raison ? Si les musiciens travaillent sur quatre temps, les danseurs eux, travaillent sur une base de huit temps.

Dictionnaire de la comédie musicale, 296 pages +16 pages illustrées, 25 euros, éditions Vendémiaire.

A ne pas rater également : l’exposition Comédies musicales, la joie de vivre du cinéma, à la Philharmonie de Paris, jusqu’au 27 janvier 2019.

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1- On entre dans les coulisses du studio Ghibli

L’équilibre comme ligne d’horizon. Pour les fondateurs du studio Ghibli (c’est le nom d’un avion….), Hayao Miyazaki, Isao Takahata et Toshio Suzuki, il s’agissait de créer, en 1985, un cadre pour l’accomplissement de leur vision artistique. Et cela a fonctionné, avec le succès que l’on sait. Mais Ghibli c’était aussi une structure pour réaliser ce « monde parfait » auquel tenaient les fondateurs. Le studio a ainsi tout mis en œuvre pour permettre à ses employés de se sentir bien : salaires décents pour le milieu de l’animation, installation d’une crèche pour les jeunes parents, horaires fixes, interdiction des nuits blanches au travail… Welcome to Ghibli’s !

2 – On découvre le féminisme du Studio Ghibli

Dans les productions estampillées Ghibli, plusieurs thèmes apparaissent de façon incarnée : l’écologie, les croyances magiques, l’ingénierie… mais aussi le féminisme. « La filmographie des studios Ghibli est remplie des figures de guerrières plus ou moins puissantes, mais toujours volontaires, décortique Alexandre Mathis, l’auteur. Dans Le château dans le ciel, les pirates sont dirigés par leur mère, dans Pompoko, les tanukis femelles participent aux luttes ; dans Arrietty, le petit monde des chapardeurs, la jeune héroïne fonce sans crainte. Il n’y a guère que la maladie qui les atteignent (comme la mère dans Mon voisin Totoro). En 2015, Miyazaki déclarait : « Beaucoup de mes films comportent des personnages féminins forts. Des filles courageuses et indépendantes. Elles auront peut-être besoin d’un ami, ou d’un soutien, mais en aucun cas d’un sauveur. »

3 – En tant qu’auteur d’animation, on s’interroge sur ce qu’on veut raconter….

Alors que dans le ciné d’animation, en général, il s’agit de montrer aux petits comment grandir et trouver leur place dans le monde, prncipalement en se définissant par rapport à leurs parents ou mentor (et il doivent se montrer à la hauteur de leur bienveillance, bien sûr), chez Ghibli, «  le rapport à la famille est différent », pointe l’auteur. « L’héritage familial n’est pas toujours bénéfique et peut s’avérer carrément nocif, écrit-il. Ainsi, à propos de la princesse Kaguya, il écrit  : «  A trop chercher à couver son enfant et à diriger sa vie, le père a causé sa perte, exactement comme lorsque Seita du Tombeau des Lucioles tue sa soeur Setsuko à trop vouloir la protéger ». Dans d’autres films, la famille peut sauver et émanciper. « Pour les héros Ghibli, l’objectif est donc le même que celui des fondateurs du studio : savoir créer un cadre solide, tout en favorisant l’émancipation de chaque individu. » Une vision éminemment moderne. Loin des normes et des modèles figés. En tant qu’auteur, cela permet de se questionner sur ce que l’on peut/veut raconter et la façon de mettre en scène son récit.

Un monde parfait selon Ghibli, d’Alexandre Mathis, éd. Playlist Society, 174 pages, 14 euros.

Copyright : DR et Studio Ghibli

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Ça y est ! Vous avez terminé. Malheureusement les bûcherons qui vous avait déposé.e ne repasseront pas avant 4 jours. D’ici là, c’est l’occasion de ré-écouter sur votre ghetto-blaster le podcast de Hadrien & Mathieu que vous avez téléchargé ici.

crédit photos : Un monde pour nous – 20th Century Fox, Gracie Films – 1989

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Heureusement la SACD met à votre disposition deux services indispensables aux auteurs :

• une aide juridictionnelle ici dans le cas où n’auriez pas d’agent,
• une foultitude d’exemples de contrats audiovisuels selon le format choisi disponible ici.

Vous voilà donc paré.e pour signer l’esprit libre en ayant négocier une petite semaine de farniente cet été.

L’article La saga de l’été #6 : les modèles de contrats audiovisuels de la SACD est apparu en premier sur Séquences7.

Le CNC a mis en place pour vous une scénariothèque regroupant près de 200 courts-métrages ayant reçu une aide à l’écriture ou à la production, disponible ici.

Voici donc de quoi faire trempette la tête remplie d’histoires et de réflexions sur la dramaturgie.

sculpture : Alicia Martin

L’article La saga de l’été #5 : la scénariothèque de courts-métrages du CNC est apparu en premier sur Séquences7.

Et quitte à procrastiner, procrastinez utile en flânant sur Scénario-Buzz, le blog français de référence du jeune scénariste tenu par Nathalie Lenoir. Des bons conseils, des bons plans et des billets divertissants, Scénario-Buzz regorge de lectures utiles.

L’article La saga de l’été #4 : le blog Scénario-Buzz de Nathalie Lenoir est apparu en premier sur Séquences7.

Soudain, une crise de doutes vous assaille. Le jour cerclé de rouge sur le calendrier est-il le bon ? La taille de police de caractères correspond-t-elle à celle exigée ? Et finalement, êtes-vous éligible à cette aide à l’écriture pour laquelle vous vous arrachez les cheveux ?

Pas de panique, Ciclic a mis en place une fabuleuse base de données des aides à l’écriture (mais pas que) dans toute la France. Classement par date de dépôts, liste et carte des régions, voilà de quoi vous rassurer.

L’article La saga de l’été #3 : la base de données Ciclic des aides à l’écriture est apparu en premier sur Séquences7.