Vincent ARBEZ. Il  signe sa série « Bulle » avec Nolita TV. Cette série de 10 épisodes de 26 minutes est un des projets finalistes de l’appel à projets OCS Signature-SACD dont le thème en 2020 était l’amnésie. 

Edouard BLONDEAU. Le Cab’, la web-série qu’il a écrite et produite est sélectionnée au Seoul Web Fest, le plus important festival asiatique de séries digitales. Sa série est également sélectionnée aux Venise Film Awards et est toujours disponible sur Youtube :

 https://www.youtube.com/playlist?list=PLvbAvefhfoJyN76vAlvvIM_jqRCbxmZ6G

Philippe DINH. Son documentaire « Comme tout le monde » (52’, autoproduit et distribué par Pentacle Production) vient d’être sélectionné pour le label film de la Maison du Film. 

Thomas GARCIA. Il  a signé un contrat de cession de droits avec Aenaria Production pour le court métrage « Je compte jusqu’à toi »; co-écrit avec Ludovic Gicquel (idée originale) qui réalisera le film.

Philippe RENAULT. Son court-métrage « Endormie » (45s) est sélectionné au 25ème festival de Contis pour le concours de nanométrage.

Hélène DE ROUX.  Elle a appris la première sélection en festival de “La Pluie et le beau temps” (7’15, prod. CinéSystème), qu’elle a écrit et réalisé, et qui a été terminé juste avant le confinement. Le film aura un début international inattendu puisqu’il sera projeté au Beach Film Festival qui se tiendra fin juillet à Ohrid, en Macédoine. « Come Rain or Shine » pour la version anglophone.

Romain SANDÈRE. Il est à la fois scénariste,  directeur artistique et acteur dans cette publicité qui a le mérite d’exister malgré la faillite programmée de l’annonceur (Skillogs) . A voir sur son site http://romainsandere.com/realisation/ ou directement sur Viméo https://vimeo.com/407513734

Svetlana TRÉBULLE. Son dernier court métrage La Louve, produit par Studio 313 et distribué par Origine films, obtient sa 11ème sélection, au Southern Cone International Film Festival (Valparaiso, Chili). La bande annonce du film : https://vimeo.com/374111143

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Le 20 février dernier, Séquences7 recevait des consultants en scénario, en partenariat avec les lecteurs anonymes. Ce qu’ils apportent au scénario, à l’auteur… On vous dit tout. 

Pour cette masterclass, nous recevions sur la scène de l’auditorium du Café des auteurs (SACD) cinq consultants. Co-présidente des lecteurs anonymes, scénariste, réalisatrice, lectrice, mais également psychanalyste, Sophie Muller en est naturellement venue à être consultante.  Nolwenn Lemesle est scénariste et réalisatrice, mais aussi consultante notamment au groupe ouest. Yacine Badday est scénariste, réalisateur et consultant, également au groupe ouest. Yasmine Louati a été lectrice pendant des années pour plusieurs grands groupes avant de passer de l’autre côté du stylo et de devenir consultante.  Enfin, Alain Layrac a eu une longue carrière de scénariste et de consultant.

Ils ont bien voulu nous faire partager leur expérience au service du scénario.  

Consultant, Script Doctor ou co-auteur… Une philosophie derrière la terminologie. 

Au premier abord, les termes de Consultant et de Script Doctor semblent désigner la même chose. Mais comme le fait remarquer Yasmine Louati : “Script Doctor est un terme américain et en France c’est un peu un gros mot.” On préfère donc parler de Consultant, d’autant que le terme américain semble renvoyer à une philosophie du métier différente. Aux États-Unis, le Script Doctor est forcément lui-même scénariste et il participe à la réécriture, il reprend souvent le scénario une fois terminé dans un délais de travail court pour des raisons qui concerne purement la production, comme des questions de budget ou de casting, sans nécessairement impliquer les auteurs originaux. 

Pour sa part, le Consultant peut intervenir sur un point précis de dramaturgie, comme l’explique Alain Layrac : “Moi ce qui m’intéresse c’est les sentiments. On m’appelle principalement pour ramener de l’émotion dans un film.” Mais, sauf exception, il ne réécrit pas lui-même. Un travail qui nécessite donc une certaine distance et des interventions sur des périodes courtes. C’est que le consultant doit poser des limites claires avec l’auteur autant qu’avec le producteur, explique Nolwenn Lemesle, “je donne trois séances de trois ou quatre heures, mais j’accepte que l’auteur m’appelle entre les séances, sinon c’est trop frustrant pour lui.” Cela, d’une part, pour préserver la vision de l’auteur, mais surtout car son rôle est d’apporter une expertise ponctuelle et non de devenir co-auteur. Un co-auteur doit s’impliquer sur un projet totalement, pour plusieurs années. “J’ai compris qu’au-delà du fait d’écrire ou pas, la différence c’est surtout que lorsque je suis co-auteur, le film ne me quitte jamais”, confesse Yacine Badday. 

Le consultant tient du psychanalyste.

Si le consultant n’est pas là pour ré-écrire le film, il est plutôt là pour poser un diagnostic et aider les auteurs à trouver leurs propres solutions. “Un auteur, il faut l’aider à accoucher, avoir la révélation qui le fait avancer, plutôt que de lui donner la solution”, précise Sophie Muller qui est également psychanalyste. Alain Layrac, à qui l’on fait parfois appel en tant que Script Doctor pour ré-écrire lui même des scénarios en urgence, compare avec le travail de consultant et conclut : “C’est davantage un travail de psy, je trouve.” Chacun des intervenants a insisté sur l’importance de l’écoute et de la bienveillance. “Il n’y a pas d’ascendant, insiste Yacine Badday, je sais que je pourrais être de l’autre côté, je suis aussi un auteur à qui on refuse des projets.” Ce que confirme Nolwenn Lemesle lorsqu’elle aborde sa méthode de travail : “On discute beaucoup. Ça permet de faire venir à la conscience des choses que l’auteur sait, qui le guident.” 

Car le risque est qu’en prenant trop les rênes, l’auteur se crispe et voit le consultant comme une menace pour sa vision du projet ou qu’il occasionne une démission. Il faut éviter “que l’auteur décide de le laisser faire comme un gourou” et donc il ne faut pas “prétendre amener des solutions toutes faites”, met en garde Yacine Badday. Un constat que nuance Yasmine Louati : “Au tout début, je mettais un point d’honneur à tourner autour du pot. Mais j’hésite moins car toutes les solutions que j’ai proposées, les auteurs en général ne les prennent pas, mais ça les aide à trouver leur propre solution.” C’est donc un équilibre à trouver, qui implique d’apprendre à connaître l’auteur et de comprendre ses besoins avant toute chose. 

On fait souvent appel à un consultant… trop tard.

Naturellement, faire appel à un consultant représente un coût et il arrive donc que des producteurs repoussent ce recours au consultant jusqu’à l’étape du dialogué. Alors que le consultant permet justement de régler les problèmes en amont. “Le problème ne vient jamais des dialogues, il vient des personnages” prévient Alain Layrac qui a souvent été confronté à ce cas : “Le producteur n’a pas l’idée de faire appel à un consultant, il attend d’avoir le scénario et appelle si ça ne va pas.” Un problème qui concerne souvent les productions les plus fragiles, qui sautent les étapes faute d’argent. “Il faut éduquer dessus. Sensibiliser à l’étape du développement” conclut Sophie Muller. Faute de moyens, certains films d’auteurs doivent parfois même passer du synopsis directement aux dialogues, brûlant des étapes précieuses. Ce qui n’est pas sans conséquences. “On récupère des textes incohérents”, met en garde Yasmine Louati. “On décide souvent pour des questions d’économies de laisser l’auteur faire seul, même s’il a besoin d’un co-scénariste” renchérit Nolwenn Lemesle. “On préfère souvent payer un consultant, puis finalement on est obligé d’en payer trois”, tant les problèmes se sont accumulés.

Tout cela vient souvent d’un trop plein d’investissement des producteurs dans un savoir scénaristique qu’il n’ont pas forcément acquis. “Il faut apprendre à lire un scénario”. Pour Nolwenn Lemesle “quand ils font part de leur retour en terme d’intention et impression, c’est toujours intéressant mais quand ils donnent des prescriptions… ça ne va pas.” Alors quand faut-il faire appel à une aide extérieure pour ne pas rater cette étape cruciale du développement ? Concernant les lecteurs, “on ne les demande pas sur des synopsis mais toujours sur du dialogué et c’est dommage” regrette Alain Layrac. Si l’auteur ne s’en sort pas, il faut faire intervenir un co-auteur le plus tôt possible. Puis vient ensuite un consultant. Pour Alain Layrac, le moment idéal pour faire appel à un consultant, serait “au moment où on a une structure, traitement ou séquencier, mais pas encore de dialogué.” Un travail d’écriture plus collective est donc souhaitable pour le bien du scénario. Une mentalité qui s’est peu à peu imposée dans la série TV, mais qui peine à s’étendre au cinéma, notamment d’auteur. “Les auteurs-réalisateurs sont très seuls” constate Nolwenn Lemesle et certains ont peur d’être dépossédés de leur oeuvre, d’où l’importance du lien humain dans le choix du consultant.

T.C.

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Une writers’ room, ça s’organise

Dès le départ, l’idée du duo était de créer une série qui pouvait tenir le rythme d’une saison par an. A l’époque, rappelons-le, il fallait souvent patienter deux ans, parfois plus, pour pouvoir visionner la saison ultérieure d’une série française. Pour les deux producteurs, pas question. Le principe d’une série, c’est de rendre addictif, et le facteur temps fait partie du jeu. Aussi, avant d’attaquer leur travail, Alex Berger et Éric Rochant se sont-ils rendus à New York pour analyser l’organisation des auteurs américains qui parviennent, eux, à fournir chaque année des saisons de 8 à 24 épisodes. « Les règles que nous avons adaptées, ce sont celles des Guildes professionnelles qui déterminent les normes du travail, elles-mêmes remises à jour tous les 4 ans », explique Alex Berger. 

Aussi, quand Canal + accepte le projet, Alex Berger et Eric Rochant vendent en parallèle un process de fabrication rôdé : la writers’ room à l‘américaine, appelée en France un Atelier d’Écriture Structurée (ADES), dirigée par un showrunner, auteur producteur ou chef scénariste. « L’idée était de mettre l’écriture au centre, rappelle Alex Berger, et pour cela, il fallait s’appuyer sur le créateur de la série, en l’occurence Eric. Il en est le garant et doit pouvoir transmettre sa vision de la série aux comédiens, aux réalisateurs, aux monteurs, aux techniciens en général et aux équipes artistiques qui interviennent sur « Le Bureau des légendes ». Et c’est un process qui coûte cher. » Cette organisation, Alex Berger l’a décrite dans un rapport sur l’organisation de l’écriture sérielle, commandé par le CNC et disponible sur son site.

Les auteurs sont au service de la vision du créateur

Une writers’ room, autrement dit un atelier d’écriture structurée (ADES) ce n’est pas un banal atelier d’auteurs. C’est un créateur qui dit oui ou non, il faut que chaque idée soit au service du projet et il est le détenteur de la « pureté de l’idée initiale ». Ego surdimensionnés… s’abstenir ! « L’idée c’est d’écrire à plusieurs mains mais avec un seul esprit », résume Eric Rochant.

Dans l’ADES du « Bureau des Légendes », il y a donc un showrunner-créateur (Eric Rochant), des auteurs d’épisodes, des scénaristes collaborateurs et des auditeurs (en formation). Et dans cet ordre-là. Ce qui est complètement nouveau en France. Et ce qui induit aussi que toute la chaîne de développement soit encadrée. Rien que sur l’écriture, les retours sur les textes se font rapidement «  après un rendu, la chaîne a 5 jours pour faire des notes et les auteurs peuvent travailler dans la dynamique  », explique Alex Berger.

Une série n’est pas une histoire

Enfin, au cours de cette masterclass, Éric Rochant, venu du cinéma (« Un monde sans pitié », « Les patriotes », « Möbius »…) a rappelé que « la série, c’est de la durée, c’est pas une histoire ! ». Contrairement au cinéma, donc. Autrement dit, si l’idée de départ couvée par l’auteur est « l’histoire de… » (un début, un milieu, une fin) alors il faut en faire un film. Si l’histoire est longue, et a une fin, il s’agit d’une mini-série (par exemple 6×52’). « Ecrire une série, avec plusieurs saisons, rappelle Eric Rochant, c’est vouloir décrire un univers ». Pour cela, rappelle-t-il, les univers professionnels s’y prêtent volontiers. Il faut aussi que le sujet de la série supporte la récurrence.

Alors, comment trouver la « bonne » série ? Pour Rochant, après l’idée, il faut un concept. Et c’est la partie la plus difficile. Le concept, dans « les Sopranos », c’est un mafieux du New Jersey… qui va chez le psy. Ça veut dire qu’il est angoissé, qu’il a un problème moral. « Une idée de série sans concept, ça ne marche pas, confie le show-runner. Les personnages sont eux-mêmes induits par le concept. Si l’histoire emmène les gens, ce qui compte en réalité, c’est le concept, capable de se développer sur plusieurs saisons ». Autrement dit, il faut trouver le moteur qui fait avancer. Et ce moteur doit être increvable. 

Séquences7 remercie Alex Berger, Eric Rochant et leurs assistantes respectives Marjolaine Mathiaud et Alexia Lecerf pour la mise en place de cette masterclass qui a pu accueillir 80 adhérents au cinéma L’Entrepôt.

A.L.

Photo Masterclass : ©Jérémy Forges.

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Aurélien LAPLACE – Son court-métrage « Le Graffiti » (à ce jour, 139 sélections en festivals et 18 prix) est désormais disponible sur OCS en replay.

Svetlana TRÉBULLE – Son dernier court métrage « La Louve », produit par Studio 313, obtient sa 4ème sélection, au WoW – World of Women Film Fair Middle East. La bande annonce du film: https://vimeo.com/288688255

Brice MASSÉE – Son projet de série 8×52’,  « Contre attentat », a été optionné par Sombrero productions. Il nous en raconte la genèse : 

BM :  « Contre attentat » est un projet très personnel puisqu’il s’inspire de ma propre expérience traumatique mais avec lequel j’ai voulu élaborer une série de genre. Du coup ça n’a rien d’autobiographique. Je me suis juste posé des questions sur ce que j’avais vécu et j’ai fait le lien avec l’actualité. C’est un projet à la fois de fun mais qui a aussi du fond.   

C’est aussi un « high concept » comme tous les projets sur lesquels je travaille. Je me suis spécialisé là-dedans parce que cela me plaît et aussi parce que ce sont des projets beaucoup plus faciles à vendre. Quand je travaille en script-doctoring par exemple, j’essaie toujours de pousser les projets de mes clients vers ça et en général ça ne loupe pas. Ils  ont aussi plus de facilités à faire financer les projets.

Plusieurs producteurs rencontrés au Festival de la Fiction TV de La Rochelle le voulaient. « Contre attentat » a été optionné en une semaine par Sombrero qui l’a envoyé au pitch sessions de Sériesmania, à Lille. On espère qu’il sera sélectionné mais en parallèle il va aussi être envoyé aux plateformes pour multiplier ses chances de trouver acquéreur. »

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Un livre deux-en-un. C’est ainsi que l’on pourrait qualifier le livre tout juste paru chez Playlist Society, intitulé « Valérie Donzelli, le tourbillon de la vie », signé de Thomas Messias et Quentin Mével. On aura tous saisi l’allusion à la chanson de Serge Rezvani, interprétée par Jeanne Moreau dans Jules et Jim de Truffaut, devenue une sorte d’ode à la liberté. On s’égare ? Non, car de la liberté, il lui en faut à Valérie Donzelli pour faire les films comme elle les imagine.

Reprenons. Cet opus est d’abord composé d’une première partie d’analyse. Dans ce décryptage, Thomas Messias souligne que l’un des points forts de Valérie Donzelli réside en l’apparente faiblesse de ses personnages féminins, véritables « anti-héroïnes ». « On assiste à un téléscopage de vies incomplètes, émaillées de frustrations et de regrets », écrit Thomas Messias. Et c’est réjouissant ! Valérie Donzelli joue des contrastes comme d’autres du saxophone : c’est envoûtant, captivant et le rythme se fait doux ou palpitant. Et cela apparaît dès la caractérisation des personnages, dès les situations qu’ils rencontrent (au scénario donc) mais aussi grâce au montage qui confère une « énergie positive » aux films. Un exemple ? Dans La Reine des Pommes (2010), la réalisatrice ajoute « des couches et des niveaux de lecture qui accélèrent la narration, notamment via des split screens qui dédoublent l’action, et l’ajout de voix off qui donnent de l’élasticité à la narration. » 

Mais surtout, et c’est un terreau fertile pour la comédie, Valérie Donzelli accepte la noirceur de la vie et des situations. « Pour Donzelli, les préconisations restent les mêmes : ne pas faire comme si tout cela n’existait pas, mais l’intégrer à son quotidien, ce qui n’ôte pas l’angoisse, mais contribue à l’apaisement. » En bref, le cinéma de Donzelli, c’est les montagnes russes.

Et qu’en dit Donzelli ? La deuxième partie du livre est un long entretien mené par Quentin Mével. Valérie Donzelli y raconte son parcours semé d’embûches (tiens, comme ses héroïnes…) et son désir de faire du cinéma, le plus librement possible (comme on vous le disait plus haut, donc). C’est ainsi que son premier long n’avait pas de producteur au départ. Elle l’a tourné avec un minimum de moyens. Un tournage sur une durée réduite, avec une équipe format mini. Et d’ailleurs, quand il lui a fallu passer à des budgets de films plus conséquents, ce n’est pas toujours là, révèle-t-elle, qu’elle s’est sentie le plus à l’aise. 

Pourtant, avec ou sans budget, son cinéma a une « patte », reconnaissable entre toutes. Ses ingrédients magiques ? Les scènes muettes, dans lesquelles les acteurs ne parlent pas forcément, parfois avec un ajout de cartons… qui créent aussi un décalage burlesque. En réalité, la cinéaste tourne la scène d’abord avec les dialogues, puis version muette. « C’est génial, dit-elle, ça permet d’étirer le temps au montage, si on en a besoin. » Autre marque de fabrique : les fermetures à l’iris, écrites dès le scénario, comme pour La Reine des Pommes. «  J’aime cette façon de créer une tension particulière, de fermer un chapitre, note la cinéaste. En terme de récit, je trouve cela très efficace, ça dit beaucoup de choses, comme un fondu. » Et puis, Valérie Donzelli assume, comme rarement, le burlesque. Ainsi, dans Notre-Dame, sorti en décembre 2019,  co-écrit avec Benjamin Charbit (co-scénariste sur En Liberté ! de Pierre Salvadori), les baffes se distribuent-elles gratuitement par des gifleurs petits et en imperméable. Précédemment, dans La Reine des pommes, un pervers en imper se faisait piquer le dernier velib’ dispo et courait après un bus. Enfin, un dernier secret ? « La méchanceté c’est de la comédie. » Si c’est Donzelli qui le dit…

« Valérie Donzelli, le tourbillon de la vie », de Thomas Messias et Quentin Mével, 128 pages, 8 €, ed. Playlist Society, Collection Face B.

A.L.

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Le mardi 19 Novembre 2019, Séquences7 a eu le plaisir et l’honneur d’être accueilli au sein du CNC afin d’y recevoir Rémi Bezançon et Vanessa Portal. L’occasion unique d’échanger en détails avec eux autour de leur filmographie et plus spécifiquement de leur pratique de l’écriture, seuls ou à deux, et d’évoquer avec ce couple de scénaristes / réalisateur leur parcours. Une rencontre riche, placée sous le signe de la bonne humeur et du partage.

Les échanges ont débuté autour des premiers long-métrages de Rémi Bezançon, « Ma vie en l’air » et « Le premier jour du reste de ta vie » dont il était le seul scénariste, bien que, sur le second, Rémi ait fait régulièrement appel au regard précieux de Vanessa sur ses personnages, notamment féminins. L’occasion de revenir sur la rencontre de Vanessa et Rémi et sur le début de leur collaboration artistique commune sur l’adaptation d' »Un heureux événement« , adapté de l’œuvre éponyme d’Eliette Abécassis.

Après avoir parlé des difficultés de l’adaptation, et du travail de recherches mené pour ce script, notamment sur le forum en ligne de Doctissimo (!), un lieu virtuel précieux de ressources insoupçonnées selon Rémi, nous avons abordé la genèse de « Zarafa », première incursion de Rémi Bezançon dans le cinéma d’animation. Les échanges se sont poursuivis autour de la création de « Nos futurs » et « Le mystère Henri Pick« , adapté du roman éponyme de David Foenkinos, l’occasion de parler des thèmes de prédilection de Rémi et Vanessa au sein de leurs œuvres, véritable cinéma de portrait : la famille, l’amour et l’amitié. Des sujets universels et intimes qui ne sont pas si simples à aborder et traiter.

La Masterclass, modérée par Alban Ravassard, s’est enrichie d’un dialogue libre autour de l’expérience de nos prestigieux intervenants en tant que scénariste, de leur collaboration et méthodes d’écriture au choix de leurs sujets mais aussi de leurs sources d’inspirations et références. Vanessa et Rémi ont ainsi partagé avec les scénaristes émergents présents, de nombreux et précieux conseils basés sur leur propre expérience de l’écriture.

Nous remercions Les Lecteurs Anonymes d’avoir permis l’organisation de cette rencontre; le CNC et ses équipes pour la mise à disposition de leur salle de projection et leur accueil chaleureux et enfin Rémi Bezançon et Vanessa Portal pour leur disponibilité, leur présence et leur générosité.

Crédits photos : Jérémy Forges & Geneviève Delouche

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Le mardi 22 octobre 2019, Séquences7 a eu le plaisir et l’honneur de recevoir Patrice Leconte pour échanger en détails avec lui autour de son abondante filmographie et plus spécifiquement de sa pratique de l’écriture. Une occasion unique d’évoquer avec lui son parcours de scénariste, réalisateur, metteur en scène de théâtre mais aussi dessinateur et écrivain. Un artiste prolifique pour une rencontre riche, placée sous le signe de l’humour et de la générosité.

Ce fut l’occasion de discuter avec Patrice Leconte de ses débuts comme dessinateur, encouragé dans cette démarche par Gotlib, au sein du magazine « Pilote » alors dirigé par Goscinny. Puis, après sa formation à l’IDHEC (prédécesseur de la FEMIS), de ses débuts au cinéma avec « Les Wécés étaient fermés de l’intérieur » dans lesquels jouaient Coluche et Jean Rochefort, une expérience qui fut fondatrice pour Patrice, mais aussi traumatisante…

Un voyage à travers la filmographie éclectique de Patrice Leconte s’est ainsi constitué peu à peu, focalisé sur l’écriture au sens large, des « Bronzés » à « Ridicule », en passant par « Dogora« , son unique documentaire tourné au Cambodge et « Le Magasin des suicides » adaptation de l’oeuvre éponyme de Jean Teulé, son incursion réussie dans le cinéma d’animation. L’écriture de ses romans, et l’adaptation d’œuvres littéraires d’autres artistes furent aussi au cœur d’échanges passionnants.

La Masterclass, modérée par Alban Ravassard, s’est enrichie d’un dialogue libre autour de l’expérience de notre prestigieux intervenant en tant que scénariste, de sa collaboration avec ses différents co-scénaristes, de ses méthodes d’écriture au choix de ses sujets mais aussi de ses sources d’inspirations / ses références. De nombreuses anecdotes humoristiques, émouvantes et instructives furent échangées avec le public présent.

Cette soirée exceptionnelle s’est terminée dans la convivialité, autour d’un pot de l’amitié au bar de la maison des auteurs SACD.

Nous remercions Joëlle Autret d’avoir pu rendre cette rencontre possible et Patrice Leconte pour sa disponibilité, sa présence et son enthousiasme. Enfin un grand merci à la Maison des Auteurs SACD et son équipe pour leur accueil toujours aussi chaleureux.

Crédits photos : Anaïs Venturi & Jérémy Forges

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« Dix pour cent », c’est la commission prise par un agent artistique sur les contrats négociés pour ses talents, mais c’est aussi le titre d’une série française couronnée de succès qui vient de remporter trois Globes de Cristal dont celui de la Meilleure Série de l’année, suite à la diffusion de sa saison 3 sur France 2. Quelle meilleure occasion alors pour recevoir la scénariste créatrice de la série Fanny Herrero, pour nous parler de son travail, organisé autour d’un pool d’auteur dont Judith Havas et Frédéric Rosset étaient les dignes représentants lors de cette masterclass exceptionnelle.

Face à l’industrialisation des séries de prime time et à des délais de production de plus en plus courts, l’écriture en pool d’auteurs est devenue la règle : sous la tutelle du directeur de collection, un certain nombre d’auteur.e.s sont réuni.e.s pour établir les arches narratives de la saison d’une série, puis chargés d’en écrire chacun.e un épisode seul.e ou en binôme.

Quelle est la hiérarchie d’un pool d’auteurs et comment s’organise le travail ? Quelles sont les qualités nécessaires ou recherchées chez un scénariste pour intégrer un pool d’auteurs ? Quels sont les avantages et inconvénients d’un tel type d’organisation de l’écriture sérielle ? Quel rapport entretient le directeur de collection avec les producteurs et les réalisateurs de la série ?

Mais aussi des questions plus spécifiques à l’écriture de « Dix pour cent » : genèse de la série, écrire pour/en fonction des stars guests des épisodes, le départ de Fanny Herrero après la saison 3 et le passage de relais entre directeurs de collection sur une série en cours de production… Un exemple des nombreuses questions abordées qui ont généré des réponses précises et passionnées de la part de nos intervenant.e.s lors du débat animé et modéré par Alban Ravassard, président de Séquences7.

Cette discussion s’est poursuivie par un échange avec la salle permettant à nos intervenant.e.s de prodiguer conseils et retours d’expérience précieux aux auteur.e.s émergent.e.s présent.e.s. La soirée s’est ensuite close autour d’un verre de l’amitié offert par Séquences7, occasion pour les membres présents d’échanger entre eux et avec les auteur.e.s de « Dix pour cent ».

Nous remercions vivement Fanny Herrero, Judith Havas et Frédéric Rosset pour leur disponibilité, leur présence et leur générosité. Et un grand merci à la SACD et l’équipe de la maison des auteurs pour son accueil toujours aussi chaleureux.

Crédit photos : Sébastien Morin

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Un super coach

Homme de théâtre, scénariste diplômé de la Femis et du CEEA,  Christophe Botti est un touche à tout en matière d’écriture : auteur d’une quarantaine de pièces, de courts-métrages, il aime aussi  écrire des questions pour le Bigdil et Tout Le Monde Veut Prendre Sa Place. Son objectif en animant l’atelier « Optimiser son parcours professionnel » : nous pousser à « scénariser notre parcours » en nous transformant en protagoniste actif de notre histoire.  Christophe a commencé par nous parler de l’importance de briser la solitude : lorsqu’on lève le nez de son cahier de notes ou de son écran d’ordinateur, notre métier est aussi – surtout- affaire de réseau. Pour cela, il nous a donné des conseils basiques comme bien s’habiller (n’en déplaise aux scénaristes de la saison 3 de Dix pour cent) d’être honnête sur ses qualités et ne pas hésiter à les mettre en avant.

Il nous a également donné de nombreux conseils, trucs et astuces pour étendre notre cercle relationnel, et optimiser celui que l’on possède déjà. Il nous a encouragés à penser « concret » dans nos ambitions à plus ou moins long terme, à identifier les objectifs et les moyens de les rendre atteignables.

Un super groupe

Dans un deuxième temps, chaque participant s’est présenté à travers une grille de 9 questions. Avec bienveillance, Christophe nous a aidés à approfondir la vision que l’on a de notre parcours, de la manière que nous nous voyons et de l’activité de scénariste en France. Il a passé beaucoup de temps à échanger avec chacun d’entre nous, en pointant des contradictions chez certains et en mettant le doigt sur des blocages chez d’autres.

Enfin, il nous a poussés à prendre conscience de nos atouts et de nos faiblesses, un questionnement salvateur que l’on doit répéter tout au long de sa carrière.

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Cet évènement s’inscrivait dans la continuité de la masterclass organisée la saison précédente sur « le scénario lu par les chefs de poste ». Il nous apparaissait en effet intéressant que le voile soit levé sur l’univers de la post-production, domaine souvent peu connu ou méconnu des scénaristes.

Pour en parler nous avons ainsi eu l’honneur de recevoir :

• Sophie Brunet, monteuse
• Charles Jodoin-Keaton, scripte
• Erwann Kermorvant, compositeur

Des sujets variés ont été abordés avec nos intervenant.e.s : Que devient le scénario une fois le film tourné ? Comment et en quoi se transforme-t-il ? Quelles leçons en tirer pour l’écriture ?

Documents à l’appui, nous avons donc découvert ensemble ce qu’était une continuité, créée par le/la scripte à partir du scénario et véritable document de communication et de veille de respect des intentions narratives durant le tournage et la post-production. Le scénario apparaît comme un objet paradoxal en post-production : essentiel mais immatériel, souvent transformé, prenant la forme d’une continuité (de plus en plus souvent numérique), de rushes ou de maquettes musicales.

Le scénario est le fil rouge du travail de chacun, et pourtant la post-production est le moment où l’on essaie le plus de « l’oublier », pour mieux le questionner, en dégager et conserver l’essence après les modifications subies lors du tournage. Cette essence, c’est l’émotion, véritable cap et langage universel aux différents intervenantes de la post-production durant ce qui se dessine comme une véritable troisième écriture du film.

Les retours d’expérience et échanges furent riches et passionnants, grâce à la générosité de nos intervenants que nous remercions chaleureusement pour leur participation à cet évènement.  Merci à la SACD pour son accueil, et à son équipe technique.

Nous vous donnons rendez-vous au mois de décembre pour une nouvelle masterclass !

Photos : Tom Thomas Krebs / Idir Zebboudj / Garance Hamon

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