En guise d’introduction, Marc Herpoux, co-créateur des Témoins (8×52, France 2), de Pigalle, la nuit (8×52, Canal+) et Au-delà des murs (3×52, Arte), nous explique que sa méthodologie consacrée aux séries est certes le résultat de ses lectures, mais aussi et surtout de ses expériences.

Doser son moteur sériel

Cette méthodologie se veut simple, claire et précise et pose les nécessaires fondations de tout travail d’écriture. Il faut dans un premier temps, réfléchir le sujet (ou « métathème ») et approfondir le concept d’une série. Ce travail de fond est un indispensable préalable pour construire l’identité de sa série, son originalité, et va déterminer par la suite le choix et le dosage des moteurs sériels.

Ces moteurs sont au nombre de quatre: plot driven, character driven, arena driven , theme driven (pour en savoir plus, vous trouverez le précédent article riche en détails sur la précieuse méthodologie de Marc Herpoux). Changer de moteur ou de dosage, c’est modifier le cœur et le propos de sa série. Pour Marc Herpoux, peaufiner ce dosage entre les quatre moteurs est pour le scénariste un travail analogue à celui d’un ingénieur du son devant sa table de mixage.

Nous avons abordé le particularisme de la structure sérielle pour mieux appréhender les quatre angles de la narration (les fameux quatre moteurs) et leur variation, ainsi que l’écriture de la première saison avant celle du pilote. Et Marc Herpoux d’insister sur un point: écrire une première saison demande beaucoup plus de temps que les saisons suivantes ! Crucial, le choix du moteur dramatique est la première étape dans l’élaboration de la série – et de sa première saison. Tout le travail du scénariste consiste alors à définir les passages obligés de sa première saison.

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Virginia BACH – son court-métrage, « Fuir », sera  diffusé sur YouTube du 24 au 30 avril 2020 dans le cadre du TOP DES COURTS 2020 du Festival Les Hérault du Cinéma.

Thomas GARCIA – Suite au pitch dating organisé par Séquences7 au mois de février, son court métrage « Trois entretiens » a été signé par Aenaria Production. Tournage prévu début 2021.

Emilie de MONSABERT – Son projet de série « Les Filles de joie » (8×52’) et son projet d’unitaire « L’Incendie » viennent tous deux d’obtenir l’Aide à l’écriture du FAIA du CNC. Son projet de long-métrage documentaire « les Désobéissantes » est optionné par Maud Huynh chez Drôle de trame Production.

Tom Thomas KREBS – Son unitaire « Meurtre à la Venise verte » a été optionné par Prodigima Production.

Marion JHÖANER – Son court métrage  documentaire « Les vivants, les morts et les marins » (autoproduit) est visible ce mois-ci sur la plateforme VOD « Court à la demande » du festival du court métrage d’Auch.

Camille AUTAIN et Jérémie BONHEURE – Leurs projets de séries, « French Doctors » (8×52’) et « Mort d’une légende » (6×52’), ont été optionnés par Adrénaline et Sama Productions.

Svetlana TRÉBULLE – Son dernier court métrage « La Louve », produit par Studio 313 et distribué par Origine films, obtient sa 10ème sélection, au White Nights Film Festival de Saint-Petersbourg. La bande annonce du film disponible ici : https://vimeo.com/262163678

Isabelle MONTOYA  – Son scénario « La Langue des signes » a remporté le second prix SIRAR du Festival du Film d’Aubagne.

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Une writers’ room, ça s’organise

Dès le départ, l’idée du duo était de créer une série qui pouvait tenir le rythme d’une saison par an. A l’époque, rappelons-le, il fallait souvent patienter deux ans, parfois plus, pour pouvoir visionner la saison ultérieure d’une série française. Pour les deux producteurs, pas question. Le principe d’une série, c’est de rendre addictif, et le facteur temps fait partie du jeu. Aussi, avant d’attaquer leur travail, Alex Berger et Éric Rochant se sont-ils rendus à New York pour analyser l’organisation des auteurs américains qui parviennent, eux, à fournir chaque année des saisons de 8 à 24 épisodes. « Les règles que nous avons adaptées, ce sont celles des Guildes professionnelles qui déterminent les normes du travail, elles-mêmes remises à jour tous les 4 ans », explique Alex Berger. 

Aussi, quand Canal + accepte le projet, Alex Berger et Eric Rochant vendent en parallèle un process de fabrication rôdé : la writers’ room à l‘américaine, appelée en France un Atelier d’Écriture Structurée (ADES), dirigée par un showrunner, auteur producteur ou chef scénariste. « L’idée était de mettre l’écriture au centre, rappelle Alex Berger, et pour cela, il fallait s’appuyer sur le créateur de la série, en l’occurence Eric. Il en est le garant et doit pouvoir transmettre sa vision de la série aux comédiens, aux réalisateurs, aux monteurs, aux techniciens en général et aux équipes artistiques qui interviennent sur « Le Bureau des légendes ». Et c’est un process qui coûte cher. » Cette organisation, Alex Berger l’a décrite dans un rapport sur l’organisation de l’écriture sérielle, commandé par le CNC et disponible sur son site.

Les auteurs sont au service de la vision du créateur

Une writers’ room, autrement dit un atelier d’écriture structurée (ADES) ce n’est pas un banal atelier d’auteurs. C’est un créateur qui dit oui ou non, il faut que chaque idée soit au service du projet et il est le détenteur de la « pureté de l’idée initiale ». Ego surdimensionnés… s’abstenir ! « L’idée c’est d’écrire à plusieurs mains mais avec un seul esprit », résume Eric Rochant.

Dans l’ADES du « Bureau des Légendes », il y a donc un showrunner-créateur (Eric Rochant), des auteurs d’épisodes, des scénaristes collaborateurs et des auditeurs (en formation). Et dans cet ordre-là. Ce qui est complètement nouveau en France. Et ce qui induit aussi que toute la chaîne de développement soit encadrée. Rien que sur l’écriture, les retours sur les textes se font rapidement «  après un rendu, la chaîne a 5 jours pour faire des notes et les auteurs peuvent travailler dans la dynamique  », explique Alex Berger.

Une série n’est pas une histoire

Enfin, au cours de cette masterclass, Éric Rochant, venu du cinéma (« Un monde sans pitié », « Les patriotes », « Möbius »…) a rappelé que « la série, c’est de la durée, c’est pas une histoire ! ». Contrairement au cinéma, donc. Autrement dit, si l’idée de départ couvée par l’auteur est « l’histoire de… » (un début, un milieu, une fin) alors il faut en faire un film. Si l’histoire est longue, et a une fin, il s’agit d’une mini-série (par exemple 6×52’). « Ecrire une série, avec plusieurs saisons, rappelle Eric Rochant, c’est vouloir décrire un univers ». Pour cela, rappelle-t-il, les univers professionnels s’y prêtent volontiers. Il faut aussi que le sujet de la série supporte la récurrence.

Alors, comment trouver la « bonne » série ? Pour Rochant, après l’idée, il faut un concept. Et c’est la partie la plus difficile. Le concept, dans « les Sopranos », c’est un mafieux du New Jersey… qui va chez le psy. Ça veut dire qu’il est angoissé, qu’il a un problème moral. « Une idée de série sans concept, ça ne marche pas, confie le show-runner. Les personnages sont eux-mêmes induits par le concept. Si l’histoire emmène les gens, ce qui compte en réalité, c’est le concept, capable de se développer sur plusieurs saisons ». Autrement dit, il faut trouver le moteur qui fait avancer. Et ce moteur doit être increvable. 

Séquences7 remercie Alex Berger, Eric Rochant et leurs assistantes respectives Marjolaine Mathiaud et Alexia Lecerf pour la mise en place de cette masterclass qui a pu accueillir 80 adhérents au cinéma L’Entrepôt.

A.L.

Photo Masterclass : ©Jérémy Forges.

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Aurélien LAPLACE – Son court-métrage « Le Graffiti » (à ce jour, 139 sélections en festivals et 18 prix) est désormais disponible sur OCS en replay.

Svetlana TRÉBULLE – Son dernier court métrage « La Louve », produit par Studio 313, obtient sa 4ème sélection, au WoW – World of Women Film Fair Middle East. La bande annonce du film: https://vimeo.com/288688255

Brice MASSÉE – Son projet de série 8×52’,  « Contre attentat », a été optionné par Sombrero productions. Il nous en raconte la genèse : 

BM :  « Contre attentat » est un projet très personnel puisqu’il s’inspire de ma propre expérience traumatique mais avec lequel j’ai voulu élaborer une série de genre. Du coup ça n’a rien d’autobiographique. Je me suis juste posé des questions sur ce que j’avais vécu et j’ai fait le lien avec l’actualité. C’est un projet à la fois de fun mais qui a aussi du fond.   

C’est aussi un « high concept » comme tous les projets sur lesquels je travaille. Je me suis spécialisé là-dedans parce que cela me plaît et aussi parce que ce sont des projets beaucoup plus faciles à vendre. Quand je travaille en script-doctoring par exemple, j’essaie toujours de pousser les projets de mes clients vers ça et en général ça ne loupe pas. Ils  ont aussi plus de facilités à faire financer les projets.

Plusieurs producteurs rencontrés au Festival de la Fiction TV de La Rochelle le voulaient. « Contre attentat » a été optionné en une semaine par Sombrero qui l’a envoyé au pitch sessions de Sériesmania, à Lille. On espère qu’il sera sélectionné mais en parallèle il va aussi être envoyé aux plateformes pour multiplier ses chances de trouver acquéreur. »

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Identifier le moteur

La première question à se poser quand on crée une série, c’est « qu’est-ce qui fait avancer la série que moi je veux écrire ? » L’intrigue (qui est l’assassin/24 )? Le personnage (la destinée de Walter White/Breaking Bad) ? L’arène (un monde où neuf familles se battent pour le trône/Game Of Thrones) ? Ou le thème (comment faire face au deuil impossible/Leftovers) ?

Il est essentiel de ne pas se tromper de moteur dramatique pour être sûr d’alimenter chaque épisode avec les bons ingrédients. Si c’est le protagoniste qui mène la barque, pas la peine de lui coller trois meurtres dans les pattes à chaque épisode. On en oublierait le héros pour courir après le meurtrier.

Voilà pourquoi éliminer l’essentiel des Stark dans Game Of Thrones n’est pas un problème. Ce qui nourrit les épisodes, c’est bien la guerre que se livrent les différents clans et qui va continuer, avec ou sans les Stark… et pas le destin personnel de Catelyn Stark. Notez bien qu’identifier clairement le moteur permet aussi, le jour où la série est vendue, d’être certain que l’auteur et le producteur veulent bien faire la même série.

Donc ne pas se tromper de moteur… Sinon la série… elle va marcher beaucoup moins bien, forcément…

Ensuite, tout est dans le dosage

Une fois qu’on a identifié le moteur dramatique, on sait quel élément on doit mettre en avant. Reste alors à hiérarchiser le reste. 60% d’intrigue, 25% de personnage(s), 10% de thème, 5% d’arène… Là le scénariste doit avoir des talents de petit chimiste pour trouver la formule parfaite.

Pour la suite, on ne peut que vous conseiller de guetter les prochaines dates d’atelier ! D’après l’un de participants, c’est un must-have pour tout(e) séquencien(ne) qui écrit de la série.

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Jeudi 6 juin, nous avons parlé d’adaptation littéraire avec Cécile Kiegel.

Directrice littéraire et scénariste, Cécile nous a fait partagé sa riche expérience. L’adaptation des romans en série TV connait un boom spectaculaire depuis 5 ans, notamment car cela rassure les diffuseurs et producteurs.

En seulement 3 heures Cécile a réussi à nous faire un panorama assez complet de la question. Côté juridique, il est bon de se souvenir que faire une ‘adaptation libre’ ne dispense pas d’obtenir les droits de l’oeuvre adaptée. Evidemment adapter comporte des problématiques d’écriture spécifiques: quelle focalisation? Combien d’épisodes pour un roman?… Le principal défi réside dans les fondamentales différences entre le papier et l’écran: la littérature décrit souvent les pensées quand le cinéma et les séries montrent des actions.

Nous avons fini par un petit focus sur l’adaptation de séries d’un pays à l’autre, et les nouvelles modes de l’adaptation, comme le passage des longs métrages en série.

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L’espace était organisé entre les scénaristes et la showrunner, Céline Decoox.

Elle nous énonça que nous travaillerions sur le pilote d’un projet de série de nx52’, feuilletonnant et, comme disent les Américains, character driven, c’est-à-dire conduite par les personnages.

Pour l’exercice, afin de ne pas avoir tout à construire, nous sommes partis sur une adaptation libre et contemporaine d’un roman que tous connaissent, Les Misérables de Victor Hugo. Malgré tout, chacun de nous avait dans ses souvenirs une caractérisation légèrement différente des personnages, ainsi que de leurs péripéties. Mais de toute façon, tellement de choses ont changé depuis l’époque décrite par Hugo, qu’il nous a tout d’abord fallu redonner de la chair aux personnages et à l’intrigue. Redéfinir Jean Valjean, Cosette ou encore Javert à notre époque, se demander dans quelle arène se déroulera l’histoire.

Ceci fait, nous nous sommes intéressés au moteur sériel. Comment nos personnages vont vivre des conflits suffisamment forts, et sans solution, le long de l’histoire, afin de générer une suite infinie d’épisodes.

Ce moteur trouvé, nous avons commencé à évoquer le pilote, tout d’abord par ses quatre cliffhangers. Une fois trouvés, nous avons travaillé sur le contenu des actes.

Puis, nous avons développé le teaser de façon plus précise, afin d’avoir les cartes détaillées de façon à ce que si l’un d’entre nous pitche ce teaser, il n’y ait aucune différences.

Ce fut une superbe expérience.

[crédit photo : Tom Thomas Krebs]

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Pour mener à bien ces deux objectifs, il a été nécessaire d’étendre l’atelier sur huit mois, afin de laisser le temps à chacun d’écrire son projet.

Les premières séances ont été consacrées à l’historique et la théorie des séries. Commence alors pour les participants un travail personnel de plusieurs semaines sur le teaser du pilote. Ils se retrouveront par la suite plusieurs fois et échangeront ensemble sur leurs travaux pour arriver jusqu’à l’écriture dialogué du pilote.

Les deux dernières séances seront consacrées au l’élaboration du pitch.

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Life’s a pitch !

On pitche tous vingt fois par jour.

Tu sais ce qui est arrivé à Julie hier ? Elle s’est retrouvée enfermée chez elle. Son copain avait fermé la porte à clé et elle n’avait pas pris son double !

Faut que je te raconte le film génial que j’ai regardé samedi. C’est l’histoire d’un tueur en série qui s’en prend aux projectionnistes…

Tout ça, c’est pitcher. Et grâce à Yaële Simkovitch, on s’est réconciliés avec l’exercice. Au lieu de penser vendre, compétition, gagner, on a préféré parler de connexion, d’entente et de compétence. En fait on s’est détachés du très en vogue concours de pitch pour revenir à ce qu’un pitch est vraiment : raconter une histoire qu’on aime.

Aimer son projet

L’après-midi, place aux projets des participants. Chacun a mis en pratique les conseils du matin pour présenter son court métrage, sa série, son long métrage… On a surtout compris que pour bien pitcher il fallait avant tout aimer son projet. Et bien le connaître pour bien le défendre.

Un pitch, c’est un blind date.

C’est comme un premier rencard. On va boire un café ensemble pour voir si on a envie d’un deuxième rencard. Plutôt que de vouloir impressionner le producteur que vous avez en face, restez vous-même et soyez à son écoute. Et n’hésitez pas à lui donner la parole en lui demandant par exemple s’il a des questions sur votre projet.

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« Dix pour cent », c’est la commission prise par un agent artistique sur les contrats négociés pour ses talents, mais c’est aussi le titre d’une série française couronnée de succès qui vient de remporter trois Globes de Cristal dont celui de la Meilleure Série de l’année, suite à la diffusion de sa saison 3 sur France 2. Quelle meilleure occasion alors pour recevoir la scénariste créatrice de la série Fanny Herrero, pour nous parler de son travail, organisé autour d’un pool d’auteur dont Judith Havas et Frédéric Rosset étaient les dignes représentants lors de cette masterclass exceptionnelle.

Face à l’industrialisation des séries de prime time et à des délais de production de plus en plus courts, l’écriture en pool d’auteurs est devenue la règle : sous la tutelle du directeur de collection, un certain nombre d’auteur.e.s sont réuni.e.s pour établir les arches narratives de la saison d’une série, puis chargés d’en écrire chacun.e un épisode seul.e ou en binôme.

Quelle est la hiérarchie d’un pool d’auteurs et comment s’organise le travail ? Quelles sont les qualités nécessaires ou recherchées chez un scénariste pour intégrer un pool d’auteurs ? Quels sont les avantages et inconvénients d’un tel type d’organisation de l’écriture sérielle ? Quel rapport entretient le directeur de collection avec les producteurs et les réalisateurs de la série ?

Mais aussi des questions plus spécifiques à l’écriture de « Dix pour cent » : genèse de la série, écrire pour/en fonction des stars guests des épisodes, le départ de Fanny Herrero après la saison 3 et le passage de relais entre directeurs de collection sur une série en cours de production… Un exemple des nombreuses questions abordées qui ont généré des réponses précises et passionnées de la part de nos intervenant.e.s lors du débat animé et modéré par Alban Ravassard, président de Séquences7.

Cette discussion s’est poursuivie par un échange avec la salle permettant à nos intervenant.e.s de prodiguer conseils et retours d’expérience précieux aux auteur.e.s émergent.e.s présent.e.s. La soirée s’est ensuite close autour d’un verre de l’amitié offert par Séquences7, occasion pour les membres présents d’échanger entre eux et avec les auteur.e.s de « Dix pour cent ».

Nous remercions vivement Fanny Herrero, Judith Havas et Frédéric Rosset pour leur disponibilité, leur présence et leur générosité. Et un grand merci à la SACD et l’équipe de la maison des auteurs pour son accueil toujours aussi chaleureux.

Crédit photos : Sébastien Morin

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